 Good evening. My name is Pierre Soris. I'm a lecturer on the MA in Contemporary Art at Sotheby's Institute and welcome to the fifth artist's talk that we organized at Sotheby's Institute and so us. Nous avons commencé en février 2018, quand nous avons invité Lydia Urraman à parler de sa pratique, et depuis que Alfredo Jarr, Zarina Benji et Hasan Moussa nous ont parlé de nous, l'idée est de donner l'opportunité pour les artistes à parler de leur pratique, peut-être sur l'occasion d'une exposition, ou juste pour eux à parler de leur art. Aujourd'hui, nous sommes très heureux d'avoir Cousa Naviolette Wamy, qui est venu ici. Elle est très occupée, c'est une année très occupée pour elle. Cousa Naviolette, elle est en train d'avoir une solo show à Gassworks en London, encore quelques jours, quelques semaines. Merci beaucoup à Cousa Naviolette pour venir ici pour parler de votre art. Cousa Naviolette's works were also part of the show at the Zimbabwean pavilion at the Venice Biennale this summer. To talk with her, we invited Sabel Galvadon, who is a curator at Gassworks. I believe Sabel is engaged in quite adventurous curating, shall we put it like that. And three years ago you organized an exhibition that was held in Madrid and in Mexico City about performance, about radical performance. So thank you very much Sabel to come tonight. Thank you. After the conversation you will have the opportunity to ask questions, if you like there will be a discussion. So please feel free to keep questions for the end of this talk. And then we will have drinks served in the café downstairs after you. Is it not working? Oh yeah. So I was just saying that I thought to begin this conversation maybe we can talk a little bit about the ideas and the experiences that inspired Violet's new exhibition at Gassworks. And specifically the residency that Violet that you undertook at Zimbabwe in Harare. And how confronting certain romantic notions about this idea of going back home, of homecoming. How has affected your painting, what are the experiences and ideas that you were entertaining during the production of this new body of work, which you can see in the slideshow. Before finishing that question I will just say to the audience, in the images that you see here it's mostly works that Violet has produced for Gassworks. But at the end of the slideshow there's like 5 or 6 images of previous work just for reference. Because we'll be talking as well about what has changed or evolved in Violet's practice over the last few years. So maybe if you want to talk a little bit about that Violet. I want to say first of all thank you for coming tonight and really appreciate it. Before I, when I went to Zimbabwe in 2018 the idea wasn't to have an exhibition right after that. I went to Zimbabwe specifically because I had spent time away and I was on a one call a spiritual journey. And I wanted to figure myself out outside of European context, European context in terms of spirituality. And I was trying to find myself in an environment that is familiar but yet not familiar. And I went to Zimbabwe with this idea that I would enlighten. I know it sounds, it's an egotistical thing to have sort of thought I would be able to do right at that age. Or even in general. And I wanted to sort of like tell them about my story and my experiences as a lesbian woman and bringing that into that environment. But that's a romantic idea. I mean you can't just go into a space where there's been histories and expect them to sort of accept that. So it was a bit naive for me to do that. So instead of me trying to teach or show case who I am, I actually put myself in the background a bit during my time at the residence in Zimbabwe. And I allowed myself to learn from them. And at the time I was staying with a spiritual medium who lives with the Chikon Zero and never know how to say it. Maybe before we talk about that I would just clarify this place, this artist community really where you were staying in Zimbabwe. It's both a sort of artist run space workshop and also spiritual community. So this medium was also, if I'm not wrong, the gallery manager so to speak. Not gallery, but the person taking care of the artist in the environment, isn't it? Yeah, so the spiritual medium was also part of the residency program. And through him he would tell you a bit more about Shauna history and how the West came and did what it did. So I actually allowed myself to learn from them and through that I then decided to create this portfolio. I mean I had shows before that but then I think when we had a conversation with you and Alessio about Gasworks show and bringing back colour into the work because I was going towards a direction where I was going to paint, I was going to make monochrome works and I decided that with you guys I decided that maybe it isn't the right time to do that. And I then, yeah, you guys encouraged me to continue with the colour work. And I used my experience in Cincinnati to sort of work on a series of, a body of work that would be part of the Gasworks show as currently showing now. I think we'll go back to that a little later, talking a little bit more specifically about the changes that have kind of taken place in your production over the last years and maybe how you relate to those challenges as a painter as well. But just before going back to Zimbanete and these ideas of Hong Kong and so forth, maybe we'll just kind of say in relation to what Violet was just saying that for me and for Alessio, Director of Gasworks has been kind of a honour and really, really, really interesting process to be able to accompany Violet from an early stage in the production of this body of work. And something that we were talking about and to which Violet was just referring is this idea of probably when you see images in this light show of the earlier work specifically, the paintings that Violet was producing in 2015, 2016, they are kind of characterised, I would say, but a very, very, very bold vibrant use of colour. And a palette I would say maybe we can talk about that later as well, like the painters that have influenced Violet and how do you relate to those traditions. But I remember you were saying not long ago in a kind of private conversation that pop art is something that kind of, even if it's not evident at all in some of your paintings, you relate it to strongly as a kind of a young painter in the process of maturing, no, technically. And somehow that palette that I intuitively relate to West Coast painting like this kind of mix of, say, pink with light picture, with banana yellow, that very, very peculiar and vibrant use of colour was very characteristic, I think, of your early work. And then some very, very interesting kind of challenges I think that you put yourself as a painter in terms of how to keep current, no, in relation to conversations we've had, how to keep on track with technological advancement and the influence of online visual culture on your work, which is something that I would also like to talk a little bit more later. In the most recent work before the Gas Wars exhibition, I think you were dealing with those questions in a very interesting way. And it was, I think, very, very enlightening for me and for Alessio to be able to discuss which aspects have been gained in those challenges, no. From the perspective of a painter that is questioning herself how to keep producing new work, how to keep current, but also which aspects maybe were really, really strong and powerful in the earlier body of work and could be kind of recovered in an even bolder way, which I think as one of the people working in this exhibition I feel kind of extremely, extremely glad of how the work you've produced I think kind of has the ability to gather both sides, to kind of bring back this boldness and this very, very powerful presence of the body and black bodies specifically, but also the complexity and the layering of some of your most recent works before the show, I'm thinking of the Venice paintings, for example. Maybe something that I would like to ask you as well is this relationship to digital images. Some of the people in the audience might be aware and some might be not. That may be an aspect in violet's practice that can go easily un notice unless you know about it but it's actually very much constitutive of your work is how you archive images, which in some cases is images that you take, especially in the last show. In some cases is images that you collect from old family books, photo books. And very often is images that you have borrowed online from Tumblr accounts, Instagram accounts, even I think in your earliest work, Porn Sides. And this relationship, this arranging images, archiving them, layering them digitally in the form of collages. And then painting them changes the nature of those images and for a lot of the audience of your work, I think it can go un notice that a lot of the work that happens in violet's paintings takes place actually before you actually confront the canvas. In terms of creating an image or painting, final painting, that is constructed within two weeks or a week, depending on the scale of the work. But I actually spend much more time behind the... ...behind paint. So I am making collages beforehand and then after the collages, I then put them on this architectural app that inform me on what size would be best for me to make the image. And then from then on, I order canvas and then the canvas is a specific size that fits the collage. And then I project that onto the canvas once it has arrived and then I paint from that. So the process is quite methodical and I take a lot of time before I... I don't paint out of... It's not a spontaneous thing. It's all planned and that's what you're trying to point out. Yeah, absolutely. Maybe two aspects of that that I would like also to ask you about. One of them, obviously, is what happens in the translation from the digital collage to the painting. But maybe even before that, something that I think is hugely interesting is how you compositionally alter those images when developing the digital collages. Sometimes you crop them, sometimes you layer them, sometimes things happen there. Something that strikes me and I think it's been pointed out but other people that has responded to your show. I remember one of the people that we invited to Gasworks to respond to Biola's exhibition is a writer and poet Belinda Zawi and she got kind of a sneak preview of the exhibition before it opened. And while looking at this painting specifically which is called With All Your Friends, the one that you saw just before, she was telling me in Bauer, she was saying that's a painting that I kind of feel an intimacy and familiarity with. She was kind of saying that most children from the generation born in that context have at least one family picture that looks like that. And I think there's an element of intimacy and proximity and familiarity in a lot of the images you choose. Even for someone who doesn't share that background there's an immediate feel and at the same time something that is interesting and I think it's in contrast in all your work is also, I would say like a process of distancing or a strange in those images. There's like a contrast between intimacy and proximity and familiarity and an exercise of almost kind of being foreign to them and technically layering them in such way that suddenly they're abstracted images kind of proceeding specifically from Zimbabwe, Harare, whatever but something more abstract. I mean there's an element of trying to create a fictional family within the work and I guess that has to do with being displaced and not having close family in proximity. So we mostly stay in touch via WhatsApp and Facebook without some groups, right? I think it's a very African diasporic thing that we all kind of go through and and through that I mean I would say that it's I'm intentionally trying to replicate that but it's just something that comes out and it happens and so this detachment with even my family distance is the same detachment that I have with almost every relationship that I've had personally I've had online relationships more than I have had okay that's a lie but I've had very close intimate relationships with people through online format they're not real it doesn't mean physical and I don't know what that is but those are the things that sort of come out within the work and I'm creating fictional narratives around these images I archive and find and which I guess like from my perspective it obviously kind of immediately talks about your diasporic background but also there's something kind of highly generational and Zeitgeist about it in a way one day we were kind of joking that somehow even though no one could would maybe tell by looking at the canvases themselves it's a very post-internet practice it's the practice of someone born and raised within global circulation of information and images and how our identities and I guess even more so in the case of people with a diasporic background but identities in general subjectivities built on those online communications and how you were talking one day a member of how especially for teenagers nowadays gathering images in a Tumblr account it's like building one's own identity it's like a collection of images that in the end it's you somehow I mean that's pretty much where I grew up on Tumblr although I had friends outside of that in reality in real life but I spent most of my time on Tumblr creating fictional personnels and and I think everyone was doing that I don't know how Tumblr is like now I don't use it as much but then there's also Instagram and so some of the works that were at being shown at Gusworks specifically the painting that is the installation that is titled Speaking in tongues has the same format that Instagram has and through those I guess the scale kind of shows that but then the images in the paintings themselves an experience that I had at Zimbaniate, Grand-Brette Zimbaniate and then I was trying to showcase that experience and it's the same way that you would showcase an experience that you have on a holiday and then you just show that on Instagram For me that serious something that strikes me is that somehow from my perspective at least it talks also about how we built our identities with very small pieces of a wide range of things like correct me I'm wrong but in that serious there's images that have a wildly different kind of precedence there's like from images of Shona objects and sculptures that I think you told me you had photocopied from books and kind of reproduced to photographs that I think you took in Zimbabwe and still screen and then painted on top and kind of altered to images that you found online like the wide variety of images that somehow are part of who we are or who you are in that case Yeah, there's a reason why you'd post something on your Instagram account it's because you have taken on that specific moment or whatever identity and you've made yours so it's the same way that I was working same thoughts that I was thinking of when I was making that audio of work I was wondering as well to what extent that choice of images, which is very diverse and kind of shows a complexity and kind of the many different backgrounds and lineages that belong to a person basically also has to do with something that the other day kind of you were saying a conversation I think you also mention it in the in conversation even with Michael Armitage a few weeks ago at Gasworks and maybe I would like you to develop as well if you feel like it which was this idea that on the one hand another tension or kind of contradiction whatever you may call it in your work which was that on the one hand you were saying you felt very much compelled to speak to paint from your point of view which is that of a black body of a lesbian woman and so forth but on the other hand you were stressing how important it was for you that your paintings and your persona were read also beyond politics beyond a kind of given identity and beyond that burden of representing a particular community of group and how identity in general and yours in particular I guess has this complexity, this layering this kind of white diversity that cannot be just summarized with this or that given identity and how to deal with that painterly you were saying was something that kind of drives you as well no? Yeah, it's easy to just then box to talk about my just find that it's very easy for me to make work about being a lesbian make work about being a black woman and I think there are much there are artists that I really respect that are able to really make that work as profound as it should be as it should be right and I just don't think that it's a good idea to box the work in certain narrative because when I'm painting I'm not necessarily making work that is I'm not thinking oh here I am a black woman lesbian woman painting I'm listening to different sort of podcasts so the work is being informed by various narratives and ideas that isn't necessarily stuck in what one would call core identity politics and in particular the work that I did for Venice while I was making that there's more of a spiritual element than there is of my given identity Before you follow on if I can refer specifically to one of the paintings you were showing at Venice when meeting at your studio in the process of painting it I think you were talking about how on the one hand the image of the series of young men kind of one arm against each other holding each other how the image had a very specific historical index like historical procedure and it was specifically referring to a series of events that you wanted somehow to index but at the same time you were kind of quite concerned about what elements to highlight d'une autre chose comme un icône de peut-être friendship, solidarité un moyen de relation avec l'autre qui a parlé de l'image originale et de l'intention originale de l'image de l'image de l'image de l'image de l'image de l'image de l'image mon exemple est un moment très malade la période historique de la Chorna de l'Ozimbab j'ai eu de la question de raconter les contextes pour t'en prendre alors que c'est un lien un peu je ne sais pas comment, mais je peux le dire je ne vois pas la histoire J'ai vu l'image d'une façon à laquelle ils m'ont apporté l'un ou l'autre. Mais en même temps, j'ai répondu à ce que Raphael Chikoukwa a donné, il a donné un texte pour... Il était le curateur du pavilion pour ceux qui l'ont apporté. Il a donné un texte pour nous à répondre à l'exposition de la planète. J'ai lu ce texte et j'ai pris une ligne qui a parlé de l'espérature. Et en disant ce texte, je l'ai regardé globalement, et j'ai pensé sur comment, dans le Ouest, il n'y a pas beaucoup de discours de Dieu, et il y a des points qui sont fonds sur ce que j'ai dit. J'étais très intéressée à comment je pouvais rappeler la espérature de Dieu. Oui. C'est-à-dire qu'il s'agit d'une question d'espérature, c'est quelque chose que vous vous référez, et je pense que c'est une question d'espérature. Je pense que souvent, quand vous avez été inquiétée par les politiques de votre travail, vous vous stresseriez sur la base du painter. Et votre relation avec les traditions et l'idée de painting et cette question d'espérature, c'est aussi relié à la history Seulna. C'est en fait plus présent dans le travail que les layers politiques. Je me demande si vous voulez dire quelque chose d'autre Comment est-ce que votre production est un painter qui se lié à une question pour reconnecter à une certaine spiritualité? C'est un très difficile. Oui, c'est ça. J'ai repris à l'école, Et ce sont les questions que je fais dans les conversations que je fais avec mes deux filles et que je trouve que c'est une question très difficile. Je suis jeune, 26 ans, et ce sont les questions que je ne peux pas juste l'answer. Et dire que je sais ça, je sais ça. Le travail est aussi nouveau pour moi que pour tout le monde. Ça fait du sens. Je pense que, juste en rapprochant les bits de conversations que nous avons eu dans le passé, tu as également parlé de comment, quand tu es en train de faire un collège et puis de painting, il y a quelques jours, j'ai demandé à toi, qu'est-ce qu'il change, ou qu'est-ce que la translation fait pour l'image, ou qu'est-ce qu'est-ce que la painting? C'est quelque chose d'un groupe de étudiants qui a été visiter l'exhibition. Et ils posent cette question, qui est une question très intéressante. Après qu'elle a laissé ces images et tout ça, pourquoi est-ce qu'elle les paint? Et c'est quelque chose... Oui, j'ai dit ça. C'est le laborat qui va faire la painting, qui est intrigué pour moi. J'ai beaucoup aimé faire le laborat, qu'à simplement montrer un collège que j'ai fait légèrement. Et je ne sais pas, je pense que ça doit faire avec la construction, et avec la construction industrielle. Je pense que la raison que j'ai apporté ça, c'est parce que, quand j'ai dit qu'il y avait un jour, en disant quelque chose sur les lignes de l'image, ça n'a vraiment pas de sens, ou ça n'a pas de sens pour moi, quand j'ai painté, la painting c'est aussi la manière d'avoir le sens, d'avoir une signification, d'avoir un sens, d'avoir une sensibilité pour l'image. Et j'étais inquiétant si c'est aussi pour faire avec cette idée d'une question pour la spiritualité, si le laborat qui a fait la painting c'est aussi une manière pour faire ces images d'avoir une valeur, d'avoir une signification dans votre vie. Je regarde à l'heure où je suis beaucoup plus âgée, et je peux lire ces paintings comme un sort de diary, et voir pourquoi je suis en train de les faire. Et qu'est-ce que ça signifie sur ce que je voudrais dire maintenant. Je ne crois pas que ce que je dis sera le sens exact. Je pense que le sens continue de changer de temps, pour moi en tout cas. Je prends un peu de temps d'avoir vraiment de temps avec le travail. Je vais être en train de regarder en digitais. Mais je vais avoir de temps de regarder le travail et de voir pourquoi je suis en train de faire des choses. Parce que je dois réaliser 3 ans. Et il y a un corps de travail. Vous avez fait un grand nombre de travail en petit temps. Mais je pense qu'il faut avoir de temps de lire ce travail. En parlant du temps et du temps qu'on commettait pour la painting, quelque chose d'autre, je ne veux pas mettre des mots dans votre cerveau, mais quelque chose d'autre que je remercie de ces conversations. En parlant de Michael Armitage, à un moment, vous parlez de cette idée de commettre de temps pour le travail. Je pense que c'était très intéressant. Vous avez dit que quelque chose d'autre, un aspect intrinsique du processus painter, c'est cette idée de mettre du coeur et du laborat et du temps et du commettement dans une image. Je pense que c'était très intéressant et j'ai été élevé à l'âge de l'Internet et ce sont des images qui ont un très peu de valeur et qui circulent très rapidement. Nous sommes un peu décentes à l'image. Si un photosjournaliste a élevé une image d'une guerre, la guerre s'agirait très rapidement et avait un impact très fort dans la conscience. Mais nous sommes Ils sont très pauvres, très invalouables, et je n'ai jamais... C'est la même manière que je sens quand je regarde... Je pense que c'est aussi transmis à l'image que je trouve dans mes albums de famille. Donc, la manière dont je regarde l'image sur Instagram, c'est aussi la même manière que je regarde les images archéologiques. Je regarde les paintings et les artworks, je regarde les galeries. Et il n'y a pas d'attachement au sens du travail. Je ne sais pas si c'est moi ou si c'est tout le monde. Mais il y a d'attachement au travail. Je ne sais pas pourquoi les gens ne sont pas dans les galeries, par exemple, plus tard. Et je n'ai pas l'impression d'aller dans les portaux, en faisant galeries dans les cathédrales, par exemple. Donc, un de mes rêves est d'aller voir l'hôpico-chapot. Parce que c'est comme ça que je regarde les paintings. Et c'est ce que j'ai essayé de faire. Mais c'est très difficile de faire ça quand c'est commercialisé. Je pense que c'est le point. Je pense que c'est ce qui m'amène dans ce moment de ta conversation avec Michael Armitage. Parce que je n'ai jamais pensé de painting de cette façon. C'est que beaucoup de gens, dans beaucoup de différents contextes, demandent ce qu'est le valeur ou le sens de painting dans ce moment. Et en tout cas, dans le contexte de cette conversation, il y a quelque chose d'une idée, d'un moment de painting, d'un espace, d'un moment de commettre le temps et le valeur d'une image. De manière qu'on n'a pas souvent fait dans notre vie habituelle, de poursuivre ce valeur, ce genre d'alimentation, ce genre d'une image qui est une relation courte. Et je pense que ça aussi a quelque chose à faire avec la manière dont tu parles de la spiritualité, avec la manière dont tu parles de l'alimentation et la façon dont tu parles de l'image. Je pense que, légèrement, tu parles d'un week, ou deux, ou combien tu parles de l'image, en fonction de la dimension de la canvas, en travaillant dans l'image, en travaillant souvent, et en donnant la valeur dans ton propre effort. Et je pensais que c'était très intéressant de penser à painting de cette façon, dans ce contexte d'une culture online. Oui, parce que c'est... C'est comme la nourriture. C'est comme la nourriture. Le gars qui est venu... qui a fait... Tu as donné un tour. Un des étudiants m'a dit qu'il m'a apporté la peinture, qu'il avait déjà l'image dans le collège. Et je pense que ça doit faire de l'alimentation, mais c'est... de faire un travail. Parce que c'est beaucoup plus facile. Vous pouvez tourner 20 collèges. Qu'est-ce que c'est vraiment... C'est très stupide. C'est ce qui s'occupe. Mais... Il s'entend dans la paix, parce qu'il y a assez de temps. Et j'aime vraiment la peinture. Pas de peinture. Je ne peux pas trouver le mot correct. L'anglais n'est pas ma première langue. C'est-à-dire... C'est-à-dire l'image, et l'obligation de la technologie. Donc, oui, le collège peut être fait dans une heure. Mais la peinture elle-même va prendre du temps. Et j'aime ce challenge. Et il y a des choses qui s'occupe quand vous faites la peinture dans le collège. J'ai bien compris que j'ai faimé en ce cas, avec un dos, qui nous avons vu une minute plus tard. Je pense que l'image original était un chien, n'est-ce pas? Oui, l'image original était un chien. Et parfois, vous bloquez le background, parfois ça aussi s'occupe déjà dans le collège digital. Mais il y a une série de choses qui s'occupe dans la translation. Je ne sais pas à quel point il s'occupe intuitively, mais je ne sais pas si vous voulez comment ça s'occupe quand vous faites le collège digital et que vous translatez dans un milieu complètement différent. Le bloc de la couleur, par exemple, avec des backgrounds qui s'occupe de mes images de tumbler. Il y avait un moment où j'étais en tumbler. Il y avait des modèles en noir, des modèles en noir et il y avait des backgrounds très brillants. J'ai pensé que c'était incroyable. J'ai aimé utiliser ça dans mes paintings. Et puis j'ai utilisé cette méthode. J'ai utilisé une personne en noir et avant ça j'ai utilisé des images pornographiques qui je reviendrai mais je n'ai pas publicisé. Je peux interroger et vous dire comment ça change votre relation à ces images? Ou votre attitude? Je ne sais pas, la façon dont vous les rencontrez c'est un painter parce que c'est des images des images d'un ancien image nostalgique dans un album photo de famille un source de photos des images pornographiques une photo de un modèle une photo de quelqu'un d'autre sur Instagram Ils sont émotifs et en termes de votre proximité à ces images ils sont émotifs et je me demande de vos questions de responsabilité et de proximité mais comment votre relation à ces images change ou même avec le dernier show à Gazworks qui c'est la première chose que vous utilisez des images de photo de vous-même et qu'est-ce que ça change dans votre pratique? Qu'est-ce que ça bringe mes images que vous avez trouvé? Je pense que la question serait que votre position de painter change selon la nature de l'image est-ce que vous vous dealz de la même manière avec une image qui vient de votre famille nucléaire d'une image de quelqu'un de votre famille que vous avez connait d'une image ou de l'Internet Il n'y a pas de différence et c'est pourquoi j'ai eu un problème quand je faisais les collages pour Gazworks mon problème c'est que je n'avais pas n'aie pas ce que j'avais attendu donc je suis allée pour me connecter avec les gens mais en fait j'ai été plus photoriste et j'ai pris des photographes pour la raison de revenir et showcasez-le et c'était quelque chose que j'ai ressenti et que quand je pense de l'expérience je pense de ce que j'ai appris parce que je suis souvent blanc parce que j'étais si busy en essayant d'être artiste et de prendre des photographes c'est aussi une partie de la connaissance de l'analyse de l'analyse que le marquard que vous avez réalisé il n'y a rien à apprendre comme vous n'avez pas besoin de psychothérapie et je pense que en réalisant que peut-être des assumptions ou des wishs ont été romantiques c'est beaucoup de apprendre de l'analyse je pense que c'est une partie de ce que vous étiez aussi en processant de l'expérience non nécessairement de ressentir un fort sens de belonging que vous ressentez ici ou par ordre parce que je pense que en reposant, je ferais aussi de l'expérience de m'apprécier ou de bouger en Sud-Afrique parce que j'ai aussi une famille en Sud-Afrique mais puis je réalise c'est je vivais légèrement donc ma vie est sur une plateforme légère et c'est où la plupart de mes je n'ai pas besoin de de bouger là physiquement et c'était une autre réalisation donc, pour moi, pour me trouver sur la spiritualité, c'était une autre réalisation vous êtes en fait un enfant global et c'est où vous venez, je pense peut-être, je ne sais pas si les gens ont des idées de thought qu'ils veulent partager ou d'ouvrir la conversation pour l'audience je veux vous demander des plantes potées je vais vous parler un petit peu de ce motif que l'on voit et je voulais aussi vous parler un petit peu de comment vos figures relateent aux backgrounds et je pense que peut-être la réponse ou peut-être vos pensées sur cela might relate à ce que le Sable a demandé en relation à vos sources et à comment vous les transformez et je me demande partie parce que vous ne faites pas juste des figures sur les backgrounds précédentes les deux viennent ensemble et les zones entre les figures ou les places où les figures et les backgrounds rencontrent sont souvent très busy ce qui se passe dans ces zones dans vos paintings où les figures rencontrent les backgrounds et ils pressent contre eux en vraiment intéressant et en riche façon donc je me demande si vous pouvez parler d'un ou d'autres questions la première question c'était des plantes potées les plantes potées quand je first encountered contemporary art c'était pour moi les gens comme cause et la fashion et aussi et ils tous avaient des motifs et ça sort de moi et j'ai des figures avec bananes bananes et j'ai décidé de laisser ça mais j'ai pas l'idée de motifs et ça s'est étendu avec moi et j'ai été avec des plantes bananes dans mon travail pas seulement des plantes bananes mais d'autres plantes mais il y a eu quelque chose qui n'est pas assez et je sais que c'était un painting que j'ai fait où il s'est écrit où j'ai utilisé les motifs de les plantes et dans le boulot il y a des sculptures que j'ai achetées et ce painting a plus de spiritual donc je pense que peut-être il doit faire avec ça à ce moment et l'autre question c'était je me souviens par exemple en médecin mais il y a aussi beaucoup d'autres paintings de la façon dont les backgrounds donc quand je fais les paintings c'est souvent comme j'ai dit il y a un method le boulot le boulot s'éteint et tout est étendu donc le collage il ressemble exactement à la painting donc tout n'est pas spontané ils sont tous plantés donc dans cette painting tout ce que vous voyez ici a été planté le boulot ici c'est un boulot à part d'autres fois j'ai changé c'est intuitive donc j'ai décidé que je ne veux pas painter le boulot entièrement et je pensais que c'était bon d'avoir le boulot plutôt que de mettre beaucoup de détails peut-être d'expander sur sa question quelque chose qui est aussi intéressant pour les backgrounds qui je pense que je n'aurais jamais pensé à une conversation avec vous mais quand vous parlez de ça c'est évident c'est comme votre intérêt en painting abstract et en figures comme Robert Rauschenberg qui ne serait pas l'un des painters que j'aurais d'abord pensé en regardant vos paintings mais quand vous connaissez ces backgrounds et spécifiquement ce que je pense que vous référez dans ce collage entre les figures du background c'est très intéressant pour moi et aussi très intéressant je ne sais pas si vous voulez dire quelque chose de votre relation avec l'obstruction qui est... oui l'obstruction que j'ai vu c'était Basquiat et j'ai went to Rauschenberg's exhibition en 2017 parce qu'ils avaient un retrospect et c'est tout cliqué donc c'est quand j'ai commencé à construire un langage dans le painting que je vais travailler avec ce que j'ai essayé de dire donc et j'ai regardé beaucoup des painters abstracts oui quelque chose qui est intéressant pour moi et c'est un autre des tensions qui mobilise votre travail d'une manière très intéressante c'est cette idée qu'à l'un de l'autre vous pensez à l'obstruction et cette façon de négocier le background dans vos paintings et ce genre et il y a une qualité rythmique du background et de l'utilisation de la couleur mais en même temps, comme vous l'avez dit c'est très planté c'est presque comme une painting baroque qui s'étendent leurs figures utilisent des devices optiques et le painting est en fait painting et dans vos cases les images de l'archive les collectent ensemble en quelques cas, spécialement dans le travail que vous avez produisé il y a plusieurs layers et toutes ces décisions viennent avant que vous paintez dans une manière très calcule qui est une tension entre ce qui est gesturale et ce qui est en fait gesturale oui, il faut pour que ce ne soit pas donc c'est une calculation je pense que oui je pense que oui je peux parler vous avez parlé vous avez mentionné le tumbler et votre inspiration de comment vous avez regardé le tumbler et les backgrounds vous avez parlé un peu des images chronographiques pouvez-vous l'élaborer sur comment vous avez appris et c'est juste le processus vous avez dit que vous étiez en train des images chronographiques et que vous étiez en train de faire quelque chose d'autre vous avez parlé de ça j'étais vraiment intéressée donc les images chronographiques sont de moi qui n'avait pas assez de physique pour moi parce que j'étais intéressé j'étais en train de découvrir les genders et ça aussi s'est passé par le tumbler donc questionner les genders et questionner les sexualités et à l'époque quand j'étais 19 c'était vraiment un hot topic tous les gens qui ont rencontré le tumbler ont identifié le nine binary et donc à l'époque je voulais faire du travail et mon matériel source m'a dû être le corps du noeud donc j'étais en train de regarder beaucoup de noeuds chronographiques surtout du vintage parce que de la qualité des poses donc c'est ça qui s'est passé et en 2017 je n'ai pas voulu faire du travail donc j'ai eu un solo show en gallery et j'ai fait c'est quand j'ai commencé à utiliser l'image d'archival pour mon album family donc c'est ça qui s'est passé j'ai essayé d'expander un peu plus mais la sexualité peut être votre identité mais j'ai essayé de l'expander et je pense que maintenant c'est aussi moi en regardant la sculpture, c'est un moyen pour moi d'expander cette identité pour quelque chose que ce n'est pas ce que vous voyez maintenant beaucoup plus de l'identité spatiale je ne suis pas vraiment sûre comment ça va mais oui aussi peut-être un lien entre les moments c'est que à ce point vous avez aussi peint vous-même comme une fille et comme une fille qui a aussi l'idée de j'ai aussi peint oui il a commencé avec la question de l'identité de votre corps les questions m'ont fait penser à un autre qui je ne vous ai jamais dit qui est dans tous ces paintings il y a beaucoup, vous avez parlé de bananes il y a beaucoup de fruits et je l'ai toujours assumé parce que l'histoire des fruits dans les paintings, qu'ils étaient standard pour sexe et sensualité est-ce que c'est le cas ? c'est le cas en regardant l'histoire de la langue gay ou la langue LGBT et où les hommes gay s'appellent entre les autres fruits c'est ce que j'avais à faire avec le play of that avec les mots vous avez pris la gamme je pense que c'était bien vous vous souvenez ? temporairement quand je voyais voir votre travail l'une des descriptions que quelqu'un m'a dit c'est que c'était le black body et je pense que en regardant votre interview online et que vous avez dit que, comme un black body beaucoup de fois, c'est une motivation de la politique de votre travail et aussi de l'online et de la literature de votre travail au black body c'est-à-dire que c'est le black body que vous décidez pour votre travail ou que vous vous sentez que c'est quelque chose qui a été metté sur votre travail pour les autres j'ai l'impression que j'avais à dire parce que sinon c'est la question la question des marques autour du travail et c'est étrange parce que vous n'avez pas vous pouvez clairement voir que c'est le black body mais je pense que le black body c'est immense les artistes black en particulier ont une pression de dire ça mais j'ai l'agrément oui, c'est pour le black body mais je questionne pourquoi j'ai à dire ça oui parce que ça fait du sens oui vous avez parlé de trouver votre maison sur une plateforme digitale et cette idée pour moi parce que j'étais toujours associé à une maison avec un endroit physique et avez-vous trouvé cette réalisation stabilisant ou est-ce que c'est déstabilisant de penser à votre maison comme une plateforme digitale je pense que c'est beaucoup plus stabilisé parce que j'ai l'idée d'être anomé donc je suis allé visiter cette famille autant que je trouve je trouve que c'est quand je vois des gens comme Mugabe je réalise que bien sûr ce qui s'est passé dans Zimbabwe pour exemple les familles ont disparu mais en même temps je vois qu'il y a un cadeau d'explorer d'autres cultures vous pouvez le faire mais j'aime l'idée que je peux toujours bouger à Sud-Afrique je peux aller à Cape Town et visiter je peux aller à Canada et visiter mon cousin qui est là je peux aller à Chine et voir mes familles les familles qui vivent là aussi je pense que c'est la beauté dans le mouvement de les gens même si c'est paix pour les gens je pense que c'est je pense que c'est une question je n'ai vraiment pas d'answer merci merci en regardant l'idée de la fleur et d'avoir la banane c'est un peu drôle car les plantées de bananes elles ressemblent elles sont dans un état naturel dans le soleil mais quand vous les mets dans la fleur les plantées dans ce sens de quelque chose de pression ou quelque chose de beauté ou quelque chose de nature ou de l'hôpital il y a beaucoup de plantées mais après vous parlez de la connexion de la sexualité je vais vous expliquer plus sur les plantées de la fleur merci je n'ai pas pu mettre les plantées j'ai utilisé beaucoup de fonds et pour moi de trouver ces fonds les plantées ont juste été et c'est seulement cette image que j'ai dans mes photos de la banane donc ce n'était pas une idée intentionnelle pour moi mais c'est intéressant l'observation que j'ai décidé de garder dans le contexte d'être préservé dans ce part il veut... ça l'image de la ville parce que vous parlez de prendre collages et le processus de faire le travail de la peinture physiquement et quand vous regardez les instances où vous avez la photo comme c'est je ne sais pas ce qu'il y a vous printez sur votre canvas et puis peint vous avez le temps de dire? oui donc c'est un et ceci aussi il y a un couple d'images où vous avez des lignes sur les figures féminines et la figure féminine c'est celui qui ressemble à la joie et l'autre qui ressemble à un peu distant et un peu différent je suis intrigue par ce sort de motif passionnel et les pièces que j'ai que ce qui se passe dans eux encore une fois l'expression des faces doit être dramatique donc créer un drame pour créer un art et c'est je ne veux plus expliquer pourquoi j'ai particularement fait ça pour les figures féminines j'ai fait ça dans la peinture précédente avec un portrait de famille et dans ça j'ai tourné mon petit-brother et je ne veux plus faire plus de détails mais c'est génial comme un drame dans la peinture tu reproduis des collages comme elles sont donc je suis intrigue d'abord tu les printes ou tu les paints et les printes en plus c'est tout fait par la lair donc le collage me informe sur ce qu'il y a et ce qu'il y a dans cette peinture ce qu'il y a c'est sur le bord et puis la peinture et puis et puis j'ai peint le background de la peinture et puis la peinture de la photographie et puis j'ai peint les figures donc c'est un processus qui se passe par la peinture comme ça tu m'as mentionné le medium spirit plusieurs fois peux-tu parler un peu plus sur comment ça informe ton travail, s'il te plaît je m'ai mentionné le medium spirit parce que j'étais avec un medium spirituel pendant mon temps j'ai eu un résident et je n'étais pas consciente qu'il y avait un medium spirituel je savais que je vais y aller et qu'il y avait de l'histoire sur Zimbabwe et les gens de Shona et en fait le medium spirituel reste dans le même compound et il s'en informait plus sur l'histoire et le chico s'en informait plus sur le silk screen et le printemps c'est ce que j'ai mentionné le medium spirituel quelque chose que j'ai mentionné c'est que l'un des paintings est ce medium c'est l'assistant c'est l'assistant du medium spirituel donc le painting est appelé le médecin c'était l'assistant qui collecte les herbes et aide le medium spirituel pour le travail ok, la dernière question et nous pouvons passer à la réception et vous pouvez toujours parler de l'artiste après hi merci beaucoup pour parler de votre travail et vous donnez une chance de voir votre travail je voulais savoir si vous pensez que le moyen d'y aller et de voir votre travail est le meilleur environnement pour votre painting si peut-être c'est-à-dire que vous avez été engagés dans une façon différente d'être dans une square box avec des roues blancs est-ce qu'il y a un idéal pour nous engager avec votre travail je n'ai pas l'idée d'engager mon travail mais je pense que tous les artistes doivent être un peu plus pour faire les works peut-être que je suis un peu un peu romantique mais j'aime être un projet ou des programmes et vous devez s'assurer pour plus de temps je pense que c'est facile de aller dans un gallery et prendre une photo et vous dire que vous êtes là mais vous êtes là pour les bonnes raisons c'est bien d'exprimer le travail merci c'est une bonne conclusion merci beaucoup merci merci beaucoup c'était un truc fascinant merci pour votre audience pour vos questions j'aimerais vous joindre à la café et s'il vous plaît, venez et joindre pour un drink merci