 Bueno, queremos darles la bienvenida, vamos a silenciar algunos micrófonos. Queremos darles la bienvenida a este tercer día ya, está pasando el tiempo de manera muy extraña en estos tiempos. Queremos darles la bienvenida al tercer día del sexto encuentro de programadores nacionales platea organizado por Fundación Teatro a Mil en el marco del ciclo Teatro Hoy 2020. Vamos a dar inicio como primera actividad del día a este foro de creadores, Arte en Movimiento. Estamos en este formato con todas las ventanas abiertas para vernos las caras, para sentirnos un poco más cercanos, tanto con las personas que van a estar primero como panelistas y luego abriremos la conversación. Estamos también contarles por Facebook Live en esta sesión en particular y también por streaming con Howround Theater Commons. Y vamos a estar conversando con los creadores y las creadoras que fueron parte del primer ciclo Teatro Hoy, el línea que hacemos en nuestra historia, en este nuevo contexto. Fue toda una experiencia adaptar todo un ciclo que venía pensándose para lo presencial y llegar a esta instancia. Los y las creadoras que están en el panel de hoy aceptaron este desafío y muchos incluso tuvieron sus estrenos en este formato que también tuvo esa carga de emoción. Así que queremos conversar con ellos en este foro de creadores Arte en Movimiento. Les cuento un poco cómo va a ser la estructura. Estamos con 10 compañías que fueron parte de este ciclo. Va a llevar la conversación Héctor Morales, actor y ya casi colaborador de Fundación Teatro Amil en todos estos formatos. Así que muchas gracias Héctor por aceptar esta invitación. Va a estar conversando con las 10 compañías. Vamos a hacer un primer bloque donde vamos a llevar una conversación con ellos. Queremos saber cómo fue esta experiencia, cómo lo visualizan, cómo lo sintieron. Y luego en la segunda parte abriremos más la conversación a todos y todas quienes están participando para poder conversar sobre cómo vemos todos la circulación para el futuro, cómo va a ser la convivencia entre estos formatos digitales, formatos presenciales y poder saber un poco qué cosas también queremos que cambien para el futuro, como imaginamos estas nuevas prácticas. Así que durante la primera parte no vamos a estar dando tanto la palabra. Vamos a ir abriéndola a medida que pase el tiempo, pero ya pueden empezar todos a levantar la mano. Vamos a hacer el ejercicio que como hicimos ayer. Ustedes levantan la mano, que es una opción que tienen en su menú. Y nosotros vamos a ir dando la palabra. Héctor va a ir dando la palabra para que ustedes puedan ir haciendo directamente sus preguntas en este segundo. Así que yo los dejo y que tengamos una linda conversación. Muchas gracias, Luisa. Bienvenidas, bienvenidos, bienvenides a todas, a todos. Bueno, es un tiempo revuelto en donde hemos tenido que adaptar nuestros caminos de procesos creativos y creo que es importante también poder entregar esa información y esa experiencia y darla a conocer a los programadores y por cierto también a nuestro público para que entienda un poco de cómo se han ido modificando estos caminos que para cada compañía, cada agrupación, cada proceso, algunos estrenaban en marzo, en abril, otros tuvieron que verse en medio del proceso dar un giro hacia esta plataforma. Hay algunos que le ponen fin a este trabajo, hay otros que solo van en la mitad y todo eso vamos a ir un poco tratando de hablar. Yo voy a tratar de la mejor manera de guiar esta conversación pero creo que lo primero y la invitación es a que cada uno, cada una de representantes de cada obra pueda contarnos la obra de qué se trata y un poco quiénes están en representación de ese equipo de trabajo. Partamos con Natalia Cuellar de Ella les parece. Hola Natalia, bienvenida. Ahora sí me escuchan, sí, hola, hola que tal. Muchas gracias por esta instancia. Bueno, hablar un poco de ella. Ella por supuesto sufrió tremendas modificaciones porque era un estreno programado para sala, era un y personal, vamos a ponerle un título un poco largo, teatro físico y buto. Entonces no está solo en buto, es muy importante hacer esa aclaración puesto que soy artrigno, bailarina y realmente trabajo se enfoca desde el teatro. Bueno, el hecho no estaba programado para el 28 de abril, ya era una fecha complicada porque era después del plebiscito y entonces sabía qué iba a pasar después de ese plebiscito pero finalmente nos atrapa toda esta pandemia y por supuesto fue imposible escinar en las condiciones que se estaban pensando. Era un trabajo con realización audiovisual, en realidad con un soporte o con un dispositivo técnico más o menos importante y en realidad lo que me fue pasando, el trabajo no quedó en standby y se fue modificando a lo que es ahora el nuevo espacio escénico que pasa a ser en este minuto el hogar de cada uno o el departamento donde tú vives o el espacio físico que estás habitando. Entonces no está en un standby sino que está en un proceso de transformación diría yo pretendo estrenarlo como hubiese sido, quizá ya yo creo que hoy no es el próximo año pero finalmente lo que me ha hecho esta situación sanitaria ha sido igual que a todos yo creo una reidención, un replantamiento de los espacios escénicos y cómo es la creación en el encierro. Entonces finalmente yo creo que he descubierto un poco el camino audiovisual también cómo sería un montaje audiovisual de Buto por ejemplo o de teatro Buto no es sólo grabar al intérprete moviendo sino que cómo narras la historia desde el lenguaje audiovisual y en poco en eso está este trabajo. Se ha ido transformando, no está detenido como dije sino que va a haber un lanzamiento pero desde una plataforma audiovisual y siempre es cartero de la dirección en vía. Interprete y directora. Yo soy intérprete y directora siempre hago ese juego en realidad lo empecé a hacer desde muy chica me ha funcionado sé que es difícil pero de alguna manera logro poder estar y salir para ver la dirección el mismo tiempo estar yo como intérprete y en este caso claro es un unipersonal. Ahora al entrar en el audiovisual por supuesto hay un equipo más grande ahora hay un director audiovisual hay un director de iluminación distinto que desde otro enfoque esto no es lo mismo el escenario que el audiovisual entonces a mí me interesa mucho en realidad esta nueva plataforma siento que se ha abierto para mí por lo menos un camino creativo bastante interesante que no lo quiero dejar de lado estoy completamente consciente que no es lo mismo la función en vivo con lo que es el calor del público esa recepción inmediata que no tiene que el formato audiovisual sin embargo creo que a futuro tendremos más situaciones como esta no es la única que vamos a vivir está claro por lo tanto hay que ir haciendo esta adaptación entonces ella se transforma ahora también en un montaje audiovisual que es lo que me interesa destacar Perfecto llamamos a introducir y profundizar más sobre el tema del cambio de formato o como la vivencia de este proceso ha modificado también los trabajos muchas gracias Natalia Natalia me imagino que estás en representación de Ivano Sí el guille y yo la verdad ¿Dónde está el guille? yo podía decir extraoficialmente ahí está pero sí contar de Ivano Ivano no creo que tengamos que presentarla yo creo que todos la conocemos la bajada de este Ivano nuestro de teatro la provincia se llama Ivano paisaje humano para los que conocen teatro la provincia es un teatro que trabaja sobre todo con las relaciones entre las personas en el escenario entonces para nosotros ha sido bastante duro es primera vez también en mucho rato después de la viuda que de alguna manera es una invitación de gam que teníamos un elenco tan grande entonces eso nos hacía súper feices como la idea de juntarnos tanto los de siempre más otras personas con las que queríamos trabajar hace rato entonces eso nos desanimó en un momento pero creo que logramos guille una metodología de trabajo para lo que mostramos hace algunas semanas o un mes ya porque ustedes estrenaban en abril mayo en teatro en la memoria perfecto y modificaron el contenido para participar en el teatro ciclo hoy de manera a mitad de camino digamos iban en la mitad de los ensayos o sea claro más bien lo que se propuso para lo que hicimos por teatro hoy fue una lectura, nosotros ya veníamos trabajando ser todo rato desde el año pasado como septiembre de octubre entonces ya teníamos una especie de maqueta de montaje ya había varias escenas visitadas había sido un proceso bien como dijo la catéramos mucho entonces entre medio Fajito fue papá, se tuvo que salir, Fajito era íbano Cristian Carvajal tuvo que tomar su rol pasaron varias cosas pero ya teníamos la hora de visitar entonces lo que se hizo fue una selección de escenas y hacer una lectura dramatizada y ahí claro como dice la cata nosotros fue una sorpresa grata en el sentido de que encontramos una forma de trabajo lo digital que no nos abrió una puerta digamos decir lo que hay, si podríamos comenzar a explorar por acá ya que no tenemos certeza de cómo viene la cosa hacia adelante Perfecto, muchas gracias Catas, muchas gracias Gille y vamos a conocer entonces Carlett Carrasco, ella es actriz y nos va a contar un poco sobre Alpachino proyecto dirigido por Ana Luz Hormazagal Hola a todos Bueno yo soy la productora de la obra estoy aquí en representación de todo el equipo creativo del Ana Luz Bueno, Alpachino es la cuarta obra de Antimetro una práctica escénica que cuestiona los formatos de distintas disciplinas por el concierto, la ópera, la conferencia y ahora nos fuimos al cine con Alpachino la idea un poco era reflexionar sobre el formato, subvertirlo y hablar también sobre sobre qué nos presenta el cine qué cuerpos muestra el cine qué cuerpos no muestra el cine y ahí la Ana tomó un texto que habla sobre la comida de magia que es el prescine el prescine jugado un poco con artefactos y con hacer y desaparecer un poco cambiar la mirada y ver un poco cómo transformar los cuerpos fueron a lo fantasmagórico, a lo monstruoso y Alpachino un poco quiso desarrollar eso escénicamente hacer esta reflexión sobre el cine pero de manera análoga entonces trabajamos con la música con el sonido, con los cuerpos fueron apareciendo distintos cuerpos a través de una pantalla cómo ponemos una pantalla en el teatro trabajamos con espejos para desarrollar todo esto y fueron apareciendo cuerpos distintos cuerpos cortados, cuerpos con distintos volúmeres y así fuimos cuestionando el cuerpo que pone el cine mainstream el cuerpo estimónico la belleza, los cánones y apareció todo lo distinto de los mismos intérpretes todo lo raro, todo lo deforme para un poco cuestionar el contexto estas formas de ver el cuerpo siempre de ello que nos pone la publicidad, que nos pone el cine y tratar de mostrar el otro lado desde el imaginario, desde el abstracto desde lo profundo también que tiene lo que no se ve y ahí surge Alpachino como esta respuesta esta forma también de investigar nosotros estrenamos en Matucana 100 en octubre del año pasado y ha sido un proceso bien extraño porque estrenamos en octubre nos ocurrió todo el tema del estallido social tuvimos que suspender una función porque estaba quedando la embarrada en una estación central muy cerca de la sala la gente no podía llegar era muy raro hacer una obra en ese contexto y sustendimos al alcanzamos a hacer creo que seis funciones y luego veníamos con todo para la última semana de marzo y abril y ocurrió el tema de la pandemia entonces nuevamente suspendimos y ha sido un proceso bien atropellado pero al mismo tiempo con mucha reflexión con todo lo que ha ocurrido luego se nos invitó agradecemos la invitación a Fundación Teatra 1000 y participamos en este ciclo con un documental que se puede ver a través de las redes de la fundación y la verdad es que estamos un poco si bien estamos ahí alertas y siempre pensando formas de cómo seguir haciendo lo que hacemos pero también surge una cosa como de de muñeca rusa porque nosotros llevamos algo digital a lo análogo y ahora pensar esto de manera digital nuevamente se vuelve un poco como el teatro dentro del teatro y el teatro y así una reflexión interesante de dar de hacer y ahí estamos Scarlett el documental aparece como respuesta a la invitación o estaba dentro de los planes documentar este proceso aparece por la respuesta a la invitación perfecto y ahí pueden ver todo el proceso creativo desde los actores, desde la ANA desde el diseño que es súper importante para lograr este análogo o sea ustedes ya venían registrando el proceso y apareció esta oportunidad de mostrarlo siempre se registra porque la obra participó en varias residencias en el proceso creativo estuvo en 4,000 luego la ANA fue a Boston luego hicimos una residencia en nave entonces todo ese proceso fue registrado y afortunadamente y se puede ver en este documental que se hizo para el ciclo teatro muchas gracias vamos entonces con el niño del plomo dirigida por Luis Antonio Narváez y presenta el proyecto Natalia Navarrete bienvenida Natalia cuéntanos sobre el niño del plomo hola bueno yo soy la productora y dejo la palabra a mi director Luis Narváez que lo va a presentar el proyecto perfecto nos vino a ver que bueno hola Luis hola buen dia a todos bueno el niño del plomo es una obra inspirada en el hallazgo de este niño en Caico pertenecienta a la cultura en Caica que fue encontrado por tres piquineros de la zona precordillerana de Puente Alto en el año 1954 eso como anécdota por llamarlo de alguna manera la cual se inspira este montaje este montaje está destinado para un público transversal que aquí en Chile se le llama familiar o infantil a mi me gusta mi concepto y me hace sentido llamarlo público transversal en relación a que no está orientado a una mirada que pueda tener el creador los creadores del público que la presencia esta obra está creada para ser materializada bajo las técnicas o las disciplinas del teatro de Marote que es este teatro que está marioneta grande de tamaño más bien natural en donde la mano del manipulador hace a su vez de cuello y maneja la cabeza del Marote y en donde se cruzan otras disciplinas también del teatro de animación teatro de objetos que son el panorama móvil que es un cranky con ilustraciones del teatro de varillas y la que son marionetas pequeñitas con música en vivo toda esta materialidad escénica busca contar la historia el peregrinaje de tres seres un abuelo un padre y un nieto movilizado por sus condiciones precarias de vida por el hambre deciden subir hasta la cumbre del cerro del plomo motivados o esperanzados de encontrar algo que los pueda sacar de esta pobreza de la pobreza económica de la pobreza del hambre por sobre todo la pobreza de los afectos que tienen entre ellos cuando yo esta obra pertenece a una trilogía de la trilogía esta obra es un proyecto adjudicado Fonda Regional con vocatoria 2019 la trilogía lleva por título la trilogía originaria en donde de alguna manera se cruzarán historias relacionadas a pueblos originarios o pueblos ancestrales con este caso el incaico la otra dos tiene que ver con una historia yagán la tercera con una historia más puja pero lo originario no tiene que ver solo lo ancestral de los pueblos sino que para mí lo originario es el hambre es el miedo y es el deseo de sobrevivencia eso es lo originario que está como sentimiento en la obra más que hacer una obra histórica o pedagógica en relación a los pueblos de la cual se inspira y cómo se modificó el proceso a partir de la invitación del ciclo ustedes iban a estrenar una obra antes y durante esta obra estaba pensada para ser estrenada en mayo de este año en el teatro Salafins Terra y en donde agradecemos además la invitación de teatro hoy de la fundación Santiago Amin para participar en sí nos ha modificado aún sí viene un proceso que vamos a realizar con el teatro Finisterra pero nuestra participación con teatro hoy fue un workshop en donde nuestra diseñadora integral y encargada del arte Josephine Holgin aprovecho de mandarle un saludo porque fue mamá hace muy poquito eh explicó un poco el proceso de manera teórica y práctica de cómo materializó a través de las técnicas que ella conoce lleva a cabo esta obra porque si bien esta obra es para un público transversal el sentimiento de muerte y de hambre y lo minosa en la obra está súper presente entonces teníamos que encontrar esa riqueza como esa ritualidad o belleza luminosidad en los personajes en esta obra en donde el texto es un poco realista y un poco más más crudo por llamarlo de alguna manera y la otra experiencia fue un conversatorio que tuvimos con la directora Aline Kupenheim directora de Trato Teatro Sudoble y quien habla en relación a estos procesos creativos y cómo pensar el teatro de animación eh y esta es una postura política también eh se llevase por ejemplo cuando uno parte con un proyecto así generalmente la sala y esto no es una mala intención de la sala para nada sino como está concebido por ahora eh a llevar esta obra a un público a las tres de la tarde a las cinco de la tarde, ¿verdad? entonces como que se ha puesto a una especie de de público como que no se le da cierta seriedad piensas, ¿ya? y eso no es una mala intención entonces hablábamos con Aline de claro de tener una postura política pero además una responsabilidad en donde eh realizar de estos trabajos de manera muy prolija eh con mucho contenido que además invitan un contenido artístico o a una experiencia artística distinta eh por sobre todo desde lo ritual que presenta el teatro sobre todo el teatro de marioneta el teatro de marioneta es más antiguo que el teatro de actores claro buenísimo, muchas gracias Luis y Natalia vamos entonces tenemos a encuentros breves con hombres repulsivos dirigida por Daniel Verones y su representante esta mañana Francisco Reyes bienvenido ¿Qué tal Pancho? Hola ¿Cómo están? ¿Como a todo? todo aquí bien encerrado como todo oye Pancho, cuéntanos sobre, esta es una obra que se estrenó en octubre a ver, esta obra fines de 2019 el estreno ofici, o sea el preestreno oficial por decirlo fue Santiago Milen en enero eh empezamos a trabajar la desde, no la tuvimos trabajando en octubre noviembre claro bueno, eso fue una primera novedad fue esa digamos que al fin un director argentino cruzó la cordillera para dirigir a un grupo acá cosa que había costado mucho, muchas veces hayamos intentado hacer este tipo de relaciones, no sé creativa entre actores yendo para allá o directores viniendo para acá y nunca había surgido hasta que los argentinos se metieron en esta crisis fuerte de económica y ahí tuvieron que empezar a mirar hacia fuera bueno, esta es una obra que está que es escrita por Daniel y está basada en texto de David Foster Wallace y son dos personajes en escena Marcelo Alonso y yo y es una obra que trata el tema de la masculinidad contemporánea que diría un tema creo yo súper atractivo de indagar porque la masculinidad de hoy está absolutamente puesta en cuestión, o sea más que puesta en cuestión criticada al fentón desde el punto de vista, no es cierto de lo que ha sido el parchecao en el mundo entonces son dos personajes que hacen de hombre y mujer y van intercambiando rol más bien no es que caractericen una mujer sino que simplemente están en el espacio de una mujer como receptor es el hombre siempre el que habla y es en ese sentido muy interesante porque lo deja bueno es el hombre enfrentado a una mujer supuestamente por sus temas sexuales de pérdida también y amorosos y es muy atractivo porque lo pone en cuestión lo desnuda de alguna forma en el escenario y el rol femenino entre comillas no es cierto solamente escucha y es muy fuerte pues generalmente el público y particularmente el público femenino ve a una mujer siendo interpretada por un hombre y no, en general uno está ahí en el escenario como receptor reaccionando levemente a las palabras del personaje masculino pero sin embargo el espectador completa la imagen y hace de ese personaje un personaje femenino obviamente es muy crítico la gente critica mucho porque la mujer no somos así no reaccionamos así etc se produce un juego ahí entre el público y el actor y la obra muy interesante en este desnudamiento del hombre contemporáneo y la participación en el ciclo fue a partir del registro de lo que se había estrenado en enero parte del registro del proceso o hicieron una actividad original para participar la obra se iba a estrenar el 4 de abril y alcanzamos a ser aparte de lo que hicimos en el festival que fue teatro en directo alcanzamos a ser dos funciones una función en punta arena el día 15 de marzo y ahí empezó el encierro y se acabó todo y luego en el ciclo de teatro hoy se nos propuso hacer una lectura es muy difícil llevar esa obra a esta plataforma es muy difícil porque yo creo que es íntima pero es esencialmente presencial entonces hicimos una lectura que de dos escenas de ocho en la obra son cuatro escenas la hace lleva la batuta el personaje de Alonso y el otro yo hicimos una y una no más y fue una forma de dar a conocer el proyecto más bien más que una intención artística como te digo es súper difícil llevar esa obra a través de una lectura en este formato ahora lo que vamos a indicar a partir de ahora invitándonos cuenta de que esto puede tener para mucho rato más todavía queremos hacerla a través de streaming en el escenario en directo pero sin público entonces guardando la distancia que llaman distancia social nosotros teníamos normalmente una mesa donde nos relacionábamos una mesa pequeña de un metro 20x80 ahora vamos a hacer una mesa más grande de dos metros de modo de estar a cierta distancia pero hacerla por streaming o sea en directo buenísimo bueno ese concepto teatro en directo apareció un concepto esta mañana ahora esta cuestión es terrible porque no es teatro, no es cine, no es tele es instagram que tenemos que ir descubriendo de a poco y ir perfeccionando técnicamente también es súper difícil creo yo este formato para las obras que requiere movimiento como la de Natalia cuando tú nos sabría como voy a imaginármela todavía pero por ejemplo ayer hicimos un estreno un preestreno de otra obra de una versión de Hamlet que yo hago y en esa que era una obra que hacíamos como teatro al aire libre y yo la llevé a vídeo y su vídeo, no lo hice en directo pero la verdad es que prácticamente me metía en la cámara durante toda la función durante la hora que dura el espectáculo como tratar de unirme al espectador a través de la cámara me entendí pero muy metido hoy no sé funcionó bastante bien parece por las opiniones pero bueno es una cuestión que tenemos que ir descubriendo en mesos estamos, claro perfecto, muchas gracias Pancho muchas gracias vamos entonces con Space Invaders con Nona Fernández y está también Marcelo Leonhard bienvenida, bienvenido Nona se prometía este estreno como uno de los más importantes estrenos de la católica en el primer semestre y nos vimos envueltos en esta situación ¿Cómo modificaron el proceso ¿Cómo se enfrentaron al nuevo contexto y de qué va la obra también? Hola Hola a todos parecen marcianitos en una pantalla del juego, me encanta de lo así primero saludarlo solamente aplaudible instancia también es tan importante seguir aquí pensando y reflexionando sobre los temas que nos apasionan y sosteniéndonos como teatristas el teatro ha sobrevivido desde Grecia hasta ahora las debates más grandes de la humanidad por lo tanto estoy segura que nos vamos a encontrar pronto en un escenario más pronto de lo que pensamos, aunque hay que tener paciencia sin duda pero por ahora Space Invaders es nuestro nuevo trabajo está inspirado en una novela que se llama Space Invaders que es una novela que escribí hace mucho tiempo salió del año 2012 tuvo originalmente una pulsión teatral, yo quería que fuese una obra de teatro pero en ese minuto no supe cómo no me atreví como dramaturgo y quedó registrada esta historia que es una historia verídica inspirada en hechos reales en esta novela y con el tiempo y el oficio dije hagámoslo se le propuse a la compañía a Marcelo y nos entusiasmamos para hacerlo y también porque implicaba un desafío súper distinto nosotros somos dramaturgas y bueno Marcelo Dramaturgo y ahora Dramaturga y siempre trabajamos con textos los más trabajados posibles para a partir de eso ofrecérselo al equipo y empezar a trabajar con esa hoja de ruta textos muy aristotélicos muy concretos, muy claros y acá lo que tenemos es un material literario cuyo desafío era encontrar los procedimientos para llevarlo en escena y nos parecía entretenidísimo y muy vertiginoso y estábamos en eso, en el vértigo de encontrar justamente las posibilidades escénicas de ese texto la historia va de un grupo de mujeres en la hora mujeres habría que decirme la hora en la vida que teníamos hasta antes de octubre un grupo de mujeres entre 40 y 50 años muy cansadas que en alguna vez fueron compañeras de liceo pero que en la actualidad no tienen tiempo para verse ni para recordar ni para asimilar una relación pero cada vez que se quedan dormidas y sueñan vuelven a reencontrarse y tienen espacio en esos sueños para poder recordar y tienen un recuerdo que es constante que se les paute la memoria siempre que es el recuerdo que nosotros vemos en el sueño digo en la puesta en escena que es el recuerdo de Estrella González una joven compañera con la que compartían años de liceo que ella era hija de un coronel el Guillermo González de Tancur el Bototo, uno de los criminales del caso de Goyao entonces ese recuerdo haber estado circulando muy cerca de ese caso cuando ellas eran niñas les pena les pena en el recuerdo y las hace cada vez que se quedan dormidas reencontrarse y intentar seguir reflexionando y dilucidar ese sueño la puesta en escena estaba planteada como un juego como un game de video habíamos encontrado esas herramientas para contar la historia estaba súper entretenida estábamos súper encantados trabajando el equipo bueno la Carmina Riego, la Pancha Marques la Roxy Naranjo Marcelor Leonard la Cata que está aquí en el diseño el maestro Andrés Cuarot Miguel Miranda en la música la Fran Babul en la producción y vamos muy bien encaminados la verdad muy entusiasmados porque además la obra tiene algo de alguna manera es un grupo de personas que se ven atrapadas en el tiempo de la dictadura sin poder salir de ahí llegó la revuelta de octubre encima que de alguna u otra manera nos dio a entender que eso no es solamente la producción del grupo de los personajes sino que estamos en general es un país entero que parece que no hemos logrado salir de ese espacio del todo, no es cierto, desde la constitución que tenemos en adelante entonces claro la obra empezó a cobrar si bien el texto había sido escrito en el año 2012 casi como un archivo que nos permitía acceder esos tiempos y recordarlos y reflexionarlos ahora comenzó a tener una contemporaneidad escalofriante y muy certera también que nos daba luces de cómo seguir siguiendo de cómo seguir pero bueno llegó la pandemia nos tuvimos que encerrar seguimos teniendo contacto a partir de la pantalla y llegó esta invitación de la Fundación Teatro Amil de poder desarrollar nuestro trabajo o mostrar algo de nuestro trabajo en esta plataforma Zoom y empezamos a experimentar con el formato que nosotros queremos hacer una puesta en escena escénica o sea nosotros trabajamos para el escenario hemos detenido nuestros ensayos y sostenemos voluntariamente la idea de que vamos a volver al escenario a hacerla tuvimos que enfrentarnos a ese desafío que fue súper interesante creo que esta plataforma si bien no es teatro, obviamente no es teatro pero sí nos permite poner poner en pantalla materiales y eso creo que es un juego muy interesante que todavía podemos seguir explorando y partir de ese desafío empezamos a jugar y creo que por mientras para mí ha sido muy interesante las otras lecturas lo fueron fueron muy estimulantes también y creo que esta plataforma da para jugar muchísimo olvidándonos que Zoom es una plataforma que nos puede permitir hacer trabajos en vivo incluso y fue muy interesante y también el desafío de escribir y ver y filmar un documental sobre el proceso que es un poco muy en términos generales alcanzamos a hacer unas muestras en Quilicura, en el festival de Quilicura una lectura dramatizada Quilicura es una de nuestros productores también alcanzamos a hacer un working progress para Teatro Amil también que también Teatro Amil es otro de nuestros productores y nada y nuestro estreno habría sido en junio estaríamos, yo pensaba que justamente este sábado pasado estaríamos cerrando la temporada probablemente ya estaríamos en el teatro sacando las cosas pero bueno, estamos aquí reflexionando igual hablando igual de la obra Perfecto, muchas gracias Nona Marcelo, ¿cómo estás? Bien, ¿cómo estás? Muy bien, ¿cómo ha sido para ti enfrentarte a este proceso y modificar el camino? Bueno, como decía la Nona nosotros en este montaje particular teníamos como ya varias versiones como decía la Nona agarró la novela y trabajó una primera adaptación y eso empezó a tener diversos hitos que nosotros teníamos que estar cumpliendo hacia el estreno entonces armamos una, empezamos a ensayar primero como para el montaje luego empezamos a ensayar para esta lectura dramatizada que era una versión más pequeña, luego hicimos una versión, nosotros calculamos que la obra debería durar una hora y media hicimos una versión de 45 minutos, digamos ese como de Highlight de la obra para el Working Progress en la teda 2020 además, si hemos aprendido algo es que los tiempos en pantalla no son los mismos tiempos del escenario no, claro claro, entonces claro, cuando se dice oye, y les tendría a hacer una lectura o sea, por cierto y el documental también el documental fue muy entretenido a hacer, lo fue muy reflexivo nos permitió juntarnos como para comentar de eso también si pueden ver el documental está como entretenido a eso digamos, hay toda una reflexión acerca de la obra, acerca de la época en que fue ensayada acerca de la pandemia, cómo nos fue nos fue afectando y también cuál es la fortaleza también del teatro en vivo, pero hacer la lectura también nos implicó hacer como otro espectáculo entonces es muy divertido porque nosotros que estamos acostumbrados como decía la Nona hacer obras como Noche a Mapuche o como El taller que son obras digamos que son eminentemente salas quizás que hubiéramos hecho si no hubiera tocado esta circunstancia pero Space Invaders que más encima es un material original en otro formato se transforma como en un universo que nosotros hemos ido habitando entonces Space Invaders tiene la versión novela, tiene la versión lectura dramatizada, tiene la versión working progress, tiene la versión online si esto no se resuelve de alguna manera nosotros tenemos la intención de ejecutar una especie de trabajo audiovisual en escena sin público no sé si en vivo o no pero hacer una especie de trabajo audiovisual que tampoco sea cine que tampoco sea el teatro porque el teatro indefectiblemente es verse la cara sentir la respiración estar ahí es que suelen celular todas esas cosas que ahora extrañamos tanto tanto y lo que estaba pensando el formato que es muy interesante por ejemplo yo ahora en el último tiempo estaba viendo mucha película muda y ver como los maestros de la hiper ultra antiguidad experimentaron con el formato del cine en relación a cómo era a lo que era el teatro digamos a Nonsense en que venía el teatro en Melies que venía el teatro a ver este este lenguaje puede ser una manera de enfrentarlo pero con la nosotros tenemos la siguiente desventaja quizá es que nosotros estamos obligados a seguir y estos maestros de los nuevos medios digamos en el fondo decían ah mira que interesante esto a lo mejor me voy por acá nosotros en el fondo este formato que estamos viendo no tenemos alternativa dicho esto si pero vamos a llegar al momento que nos vamos a ver de nuevo a la cara y vamos a hacer teatro a la antigua que es un lenguaje que como lo demuestre el teatro que vemos en chile todo el año es un lenguaje que no se agota en novedad y que viene desde el mismo origen que es tan antiguo como el hombre y la mujer muchas gracias Marcelo y Nona bueno vamos entonces con María Juan Pablo Peragalo estás por ahí como estás Juan Pablo bienvenido bien tu obra se estrenaba en abril se estrenaba el 18 de abril en la sala de terror la universidad mayor y bueno obviamente no pudimos estrenar le estábamos próximos de eso si llegamos a ensayar pudimos ensayar la primera semana de marzo y ahí se suspendieron los ensayos pero ya venían ensayando desde el 2019 la dramaturgia a cargo de Carla Zúñiga y tú la dirección si estamos enfrentando el proceso de una manera distinta creo que aunque me parece pertinente figurar como director del proyecto estamos trabajando una manera mucho más colectiva en donde hay una lecturía importante de Natalia Valladare sobre todo pero también de parte de lo que del trabajo está realizando Daniel Maraboli que está cargo de la sonoridad y también de Alejandro Miranda quien está cargo de la musicalidad de la obra y la participación de ustedes en el ciclo fue a través de una lectura dramatizada si exactamente a ver como para contar un poquito de la obra la situación de que cuenta el texto de Carla Zúñiga hay que tener en cuenta que es una versión es una reescritura ya porque creo que hay poco de la obra original pero la obra original es la habitación oscura tenéssig Williams y esta es una reescritura libre de Carla Zúñiga basada en esa obra del autor norteamericano y cuenta la historia de una niña que está encerrada mientras está encerrada en el sótano de la casa y lleva mucho tiempo encerrada está embarazada de hecho y la esta recibe una visita de una asistente social esa es la situación lo que nosotros trabajamos ahí creo que en el término temático el tema que aparece sobre todo en este contexto es el encierro ya pero hay temas como el abuso la violencia intrafamiliar que efectivamente la obra toca el encierro perdóname como tema era algo que estaba que usted ha venido de alguna manera empujando y forzando con respecto al mismo contexto que nos ha tocado vivir o era algo que ya existía en la obra ya existía en la obra pero evidentemente que se hacen otras conexiones hoy y aparece el encierro como un encierro mucho más amplio a lo que se entendería por el encierro que se pusiera en el contexto prepandemia evidentemente que en la pandemia estamos en una idea de encierro que tiene muchas más dimensiones que las que podíamos comprender en ese minuto y efectivamente creo que el nuevo contexto en el que estamos efectivamente nos da como para poder sacarle más filo a ese aspecto de la obra lo obra nosotros la trabajamos como dos obras aparte está el diálogo de la madre con la asistente social y hay un monólogo de la niña que es María nosotros en términos de proceso la trabajamos de manera distinta, yo no parcelé los ensayos, dividí los equipos justamente porque quería que se diera la particularidad de que fuera una obra bifurcada, que se necesita una obra dividida que se necesita una parte a la otra porque si no no se comprende la totalidad pero que efectivamente existiera la sensación de esta división de la obra donde incluso el término espaciales y que era algo súper importante y que evidentemente la vamos a hacer cuando se pueda cuando podemos volver a los teatros porque creo que la obra se completa con lo que el diseño de cuesta en escena en donde teníamos todo espacio, uno es una caja donde está ocurriendo la obra perdón está la escena como en el techo de esta cajita está la escena de la madre con la asistente social otra parte de la obra son las intervenciones que hace María que estaba adentro encerrada en esa caja y el público entra esa caja también hay un público que ve esa obra y hay otro público que ve la obra de afuera en Marabolía y con Miranda son los que se hacían cargo de que a través del sonido la obra se pudieran conectar, entonces es evidente que el contexto pandemia hace que tengamos que mirar la obra de un punto vista completamente distinto y en ese sentido yo no me cierro a la posibilidad de trabajarla de manera digital, online virtual no me cierro esa posibilidad pero sin embargo creo que es importante comprender que por lo menos para mí en este proyecto tendría es como si hiciera otra obra radicalmente porque como está pensada, está pensada en un espacio escénico similar a lo que menciona también el Marcelo en su proyecto y por lo tanto evidentemente que habría que pensar en los recursos que nosotros y nosotros estábamos articulando y que podríamos articular en una plataforma fue súper interesante el trabajo que realizó Juan Ananias de Santiago a Mil como nos permitió poder hacer algunas variaciones, jugar un poquito con la plataforma Zoom cuando hicimos la lectura y creo que ahí hay algo que aún no empieza a ser estimulante porque uno empieza efectivamente a hacer un ejercicio creativo, es decir no es simplemente sentarse frente a esta pantalla sino que efectivamente hay alternativas hay posibilidades y en ese sentido creo que fue súper interesante en la instancia de la lectura desde la experimentación por cierto muchas gracias Juan Pablo nos quedan dos obras todavía para poder hacer un pequeño recreo así que vamos a ir con tengo Bru o El Exilio de la Memoria que está muy ligado además a lo que nos está pasando con respecto al registro a dar a conocer el trabajo más íntimo de esta pintora que además es tu abuela Amalá absolutamente Bru, El Exilio de la Memoria se plantea como un teatro biográfico y documental biodrama acerca de la vida y yo de la lectura de mi abuela que es Roser Bru para quienes no la conocen ella es una destacada pintora y grabadora nacida en Barcelona y que llegó a Chile refugiada política de la guerra civil española en 1939 mi abuela ganó el Premio Nacional de Artes en el 2015 que coincidió con el año en donde Juan Copa Colópez que es mi partner creativo en el colectivo Machina 2 y yo empezamos a desarrollar este proyecto a raíz de la incipiente pérdida de la memoria de mi abuela y yo me daba cuenta que si bien mi abuela era una persona muy conocida en el ámbito público y en el ámbito sobre todo de las artes visuales era una historia que no se había potenciado ni desarrollado desde la perspectiva más íntima de su vida y como su obra está íntimamente ligada a su vida y de alguna manera si tú no conoces su vida le faltaba una dimensión también para conocer su obra pero ella estaba perdiendo la memoria ganó el Premio Nacional de Artes en el 2015 y ese premio lamentablemente le generó un derrame cerebral en el cual ella aceleró su proceso de pérdida de la memoria y fue ahí que con Francisco Paco López y yo decidimos que era el momento de rescatar esta memoria y llevarla a un proyecto que fuese un proyecto teatral porque nosotros venimos del teatro pero con el tremendo desafío de decir bueno como metemos también en este proyecto la historia del arte su arte pero también la historia universal porque ella en el fondo es una persona que tiene un siglo de historia hoy por hoy tiene 97 años sigue viva y por lo tanto era muy interesante contar a través de sus vivencias la historia de Europa y de Chile del siglo XX su vínculo con Parto Neruda su vínculo con la Guerra Civil Española su vínculo con el Winnipeg que es este famoso barco que llegó a Chile con 2200 pasajeros a bordo republicanos a bordo que aportaron muchísimo al desarrollo intelectual e industrial en Chile lo interesante de este proyecto es que es un proyecto que por lo tanto viene gestándose desde el año 2015 hemos tenido dos fondar pero es un proyecto que hemos ido desarrollando con muchas etapas y cada etapa ha derivado como en un subproducto distinto y eso es muy interesante porque finalmente la apuesta en escena la obra final es la que se estrenó el año pasado en el GAM es por supuesto es la culminación de este largo proceso investigativo y de archivos durante cinco años pero es una etapa del proyecto primero durante un año y medio estuvimos estuvimos estudiando historia sobre el proceso de la guerra civil española el proceso además de la época de Pedro y reserva en Chile que fue el momento en que llega reservó a Chile y todo ese proceso investigativo y de archivo ir a buscar además los archivos en primera fuente mientras mi abuela iba perdiendo su memoria ir registrándola registrándola a través de audios a través de videos o ir incluso profundizando mis propios recuerdos como nieta porque hay muchas historias que mi abuela me ha ido contando a lo largo de mi vida y que yo las tenía más o menos incorporada pero de una manera un poco inconsciente y como también este trabajo con Francisco Paco López y íbamos buscando dentro de mi propia memoria y como mi memoria iba sacando casi como un hilo de Ariadna la memoria de mi abuela por lo tanto no era sólo su memoria sino que era también mi memoria de sus propios recuerdos y este proceso de investigación y de archivo derivó primero en un libro que lo evitamos en el año 2017 pero se estrenó se presentó en enero del 2018 en el marco de Santiago Of en el GAM también y este libro daba cuenta ya era la dramaturgia por lo tanto toda la dificultad de volcar una investigación archivística en una dramaturgia un biodrama en la cual el propio Paco López y yo misma son los que pongo coronavirus hay un coronadiro que se coló y el doctor Amalán tengo una duda el proceso ha sido largo y como tú muy bien lo dices ha tenido ciertos frutos en el camino específicamente en teatro hoy ¿qué fue lo que de qué manera participaron en el ciclo? bueno, fue muy interesante porque después del libro llevamos la obra a la puesta en escena en teatro a diferencia de la gran mayoría de las otras compañías explicaron antes que iban a estrenar este año en el marco de teatro hoy pero nosotros estrenamos el año pasado en el GAM estrenamos con una puesta en escena invitamos a Héctor Noguera a dirigir este trabajo que ya era muy colectivo por lo tanto siguió siendo un trabajo muy colectivo muy entretenido donde aprendimos y lo pasamos muy bien trabajando con Tito Noguera mucho con el arte de mi abuela por lo tanto los cuadros iban desarmándose, deshaciéndose iban reconstruyéndose en escena y lo que fue interesante con la invitación de teatro hoy es que como había que llevarlo a un formato de lectura dramatizada y acotado en el tiempo y acotado además en el formato zoom tuvimos que replantiarnos cómo volver a ser de nuevo una obra porque la obra especial ya se había hecho es decir, esta joya ya se había pulido en la puesta en escena y entonces cuando se nos habló de lectura dramatizada dijimos bueno no podemos hacer una lectura puesto que la joya ya existe por lo tanto tratamos de mantener la esencia de la puesta en escena y hicimos una versión por lo tanto otro subproducto fue la versión específicamente para zoom que fue muy entretenido aquí aprendimos de más mucho con lo en este caso fue Héctor Héctor de teatro hoy que nos ayudó muchísimo en la técnica porque vimos de qué manera podíamos incorporar la pintura de mi abuela y pequeños insert que eran momentos de escenas de la obra del año pasado iban entrando también para teatro hoy iban entrando los insert de los cuadros de mi abuela pero como había que reducirlo a 20 minutos y es inabarcable reducir la historia de mi abuela de 97 años en 20 minutos entonces decidimos solamente presentar la primera parte de la obra que es en el fondo las infancias de mi abuela hasta que llega Chile y eso fue entretenido porque de alguna manera es casi como si fuese un primer capítulo dieron ganas de ver el capítulo 2 y 3 porque esta obra está basada además en la cronología de un cuadro y en el thriller de un cuadro de unos tapices que mi abuela hizo para la uxta y por eso era muy importante estrenar en el gam porque estos tapices para la uxta fueron robados y desaparecidos para el golpe de estado entonces la obra está basada en base a dos cuadros este thriller de la uxta y un cuadro biográfico que mi abuela pintó donde ella misma va pintando los grandes hitos de su vida aquí en esta versión para teatro hoy decidimos solamente narrar la primera parte del cuadro que es su infancia hasta que llega Chile entonces casi como si se diera ahora la necesidad de seguir trabajando en la segunda entrega para llegar al thriller de los cuadros desaparecidos en dictadura por lo tanto fue muy entretenido porque en el fondo este es un proyecto que a partir de una idea original derivo en una investigación derivo en un libro derivo en la puesta en escena ya final en el gam con el hito no hiera y derivo en esta versión zoom casi como una entrega que se podría hacer por entrega perfecto muchas gracias Amala y para todos los que están preguntando en el chat se encuentran los links de los diversos documentales y los procesos creativos, los registros que hemos ido hablando nos quedan dos obras Mauro y Isabel de esta red de Isabel, Alexandra von Hummel, bienvenida cuéntanos sobre tu trabajo que sé que hay una coproducción también ahí con Kilikura que tuvo una primera etapa de tu proyecto tienes el micrófono desactivado yo creo a Valexán ahí, ahí sí Sí, sí, te escucho bien Isabel de Terran Isabel fue una invitación que me hizo el festival de teatro Juan Raderigán de Kilikura y tuvimos dos funciones ante un público gigante como funciona al aire libre etcétera una experiencia que yo no había tenido antes estrenábamos el 2 de abril en el teatro La Memoria y parábamos el 25 de abril porque el 26 que era nuestra última función supuestamente era hacer el plebiscito nosotros partimos ensayando para el estallido social esa fue nuestra época y vamos a parar para el plebiscito nada ocurrió bueno, esta es una obra es una obra hermosa entrañable, tremenda, feroz que habla sobre la soledad es una mujer indigente en situación de calle que vagabundea por la ciudad buscando básicamente con quién hablar no tiene con quién hablar ella está sola su pareja está a la cárcel ya no tiene con quién hablar en una edad me indefinía no sabe mucho donde está ella quiere hablar ella quiere existir básicamente yo me imagino que si uno no habla mucho tiempo el habla se modifica ella no sabe cómo expresarte hay algo que en el fondo yo existo también a propósito de un otro que me reconoce que me ve etc y en algunas de las partes del texto de Raderigán dice nadie me mira por mío que le pida algo entonces tiene una cosa de ella querer hablarle y ella en la obra de Raderigán habla con un tarro de basura y le da característica humana etc y se abre con él y tiene toda una relación afectiva con él cuando empezamos a leer la obra yo me acordé de un texto que había leído de la Diamela Heltito que es un texto que es un prólogo a propósito de un trabajo que ya hace con la Loti Rosenfeld por los mismos años que Raderigán escribe a Isabel de Isabel y registra el habla de un hombre que vive en un terreno al dios y que habla y delira desvaría y que tiene un habla que transita entre el delirio pero algo muy concreto sobre el Chile de hoy y ella hace y esto eran unas salidas que hacían unas salidas abiertas hay de explicar entre ambas finalmente graban son tres hablas de este hombre ella dice algo que es muy bonito que habla que la persona el vagabundo en general se construye construye una visualidad sobre su cuerpo para ser visto entonces ella dice le pone esculturas esculturas de la ciudad y después pone es guión cultura y lo plantea como una suerte de negativo fotográfico de ese positivo que la ciudad querría presentar y siempre hay un negativo abajo que sostiene ese positivo entonces para mi el tema de la necesidad parecer era muy importante este texto lo actúa es un monólogo la actúa Tamara Costa que hace un trabajo hermoso que transita desde lo entrañable la temnura, el recuerdo hermoso y la ferocida, lo tremendo de esta soledad la rabia, el furor hay un tránsito de una cosa a otra que tiene que ver también que para nosotros tenía que ver un poco con una cabeza que transita de una cosa a otra puesto que no tiene con quien hablar no hay tránsito no hay unión eso mismo te iba a preguntar sobre el traspaso de lo que hicieron desde lo que presentaron en enero a la participación en teatro, ciclo, teatro hoy fue bien difícil porque a propósito de este habla la obra nosotros descontextualizamos la obra de Raderigán sucede en un terreno albido nosotros la instalamos en una especie de club nocturno a toda raja gran, hermoso, bello una gran bola de disco una gran bola dispo, cortinas hermosas, brillantes, mucho brillo etcétera entonces había algo que vibraba entre el nuevo espacio, lo escénico y ese texto y ese habla propuesto por Raderigán y incorporamos cámara la cámara de vídeo en el sentido de que la cámara tiene un doble juego que en el fondo por una parte te permita aparecer, ser, existir y por otro lado te margina pensábamos en esa idea de las cámaras de seguridad cuando hay un edificio que tiene 500 cámaras de seguridad con ser que tiene y que es una cosa que margina que deja fuera entonces la Tamara establecía una relación con la cámara entonces realmente le decía que miráis que miráis sale entonces empezaba a tener una relación con la cámara entre querer aparecer y no querer aparecer y sentirse superagredía con la cámara claro la obra es super escénica porque hay una cosa que es de validación entre el espacio la visualidad, la sonoridad como entre y sale esa cámara y ahora la invitación de Santiago Amil para teatro hoy fue compleja nosotros teníamos una especie de registro de lo que había sido el proceso de cómo íbamos montando etcétera, un registro que jamás me tendría a hacer ningún documental en un registro que se fue haciendo y construimos una especie de documental donde había una partecita fragmentos de la obra, de lo que fue la obra en caricura y luego en la lectura tomamos una parte donde la Tamara es una parte de la obra y tomamos otra parte donde la Tamara efectivamente es la obra si está amplificada por cámara pero escénicamente esto es una duplicidad porque está la Tamara en chico está la Tamara en grande, es una cosa doble acá era sólo una que ahí era una cosa mucho más cómoda porque ella efectivamente le podía hablar a la cámara como le habla a un otro ser a alguien que la hace aparecer básicamente eso muchas gracias Alejo muchas gracias vamos entonces antes del recreo que sé que algunos lo están esperando Mauro, dramaturgia y dirección Eduardo Luna bienvenido Eduardo Hola Héctor, cómo está ahí? muy bien, bienvenido, hay un trabajo importantísimo que estuve revisando que tiene que ver con un proceso de investigación en qué etapa del trabajo iba no cómo los pilló el contexto que se pudieron adaptar también usted a este nuevo contexto en primer lugar como para contextualizar un poco la obra la obra Mauro significa lengua y aguita lugar desde donde brota el agua entonces ya imaginaremos desde donde viene más o menos la problemática de la obra nosotros a propósito de los procesos que ya veníamos teniendo que eran procesos que deberían de una investigación como nos marquíamos en unas investigaciones sobre temáticas que tenían que ver con nuestra memoria reciente y sobre todo lo que pasó con Painecourt que una obra que tuvo una circulación expansiva queríamos que no se nos reconociera como una compañía en que necesariamente trataba temáticas indígenas sin embargo recaímos un poco igual nos pudimos ir demasiado a propósito de que estábamos trabajando con la Arqueostronomía que es una disciplina que vincula la relación de los pueblos originarios con la estrella recaímos en Mauro que es un territorio del norte chico chileno Mauro era una especie de valle del elqui que hoy día se ha convertido en el tranque de relaves más grande de Latinoamérica el tranque de relaves minero más grande de Latinoamérica entonces nos interesó porque ahí una devastación o se dio una devastación arqueológica del pueblo Dieguita muy importante porque era uno de los sitios arqueológicos más grandes que podría haber dado mucha información sobre el pueblo Dieguita para contarle a algunos amigos que están acá del pueblo Dieguita sabemos muy poco es uno de nuestros pueblos originarios por el Argonadio muy pocos años y sin embargo la gran minería a propósito de este progreso ha pasado por alto todo este tipo de información que podría darnos ciertas certezas de identidad sobre ciertos pueblos originarios y la entonces la investigación surgió desde ahí y ese es el punto de inicio solamente pero nos encontramos también con las comunidades que venían durante 20 años dando una pelea super importante en el territorio y eso entonces determinó que la obra tenga varios ejes temáticos tiene por un lado la devastación arqueológica obviamente la devastación ambiental a propósito de la gran minería en el norte chico pero también la devastación social a propósito de que la intervención genera a propósito de la intervención con recursos económicos importantes dentro de la comunidad genera divisiones y pone finalmente en un encentamiento al pobre contra el pobre tal como lo hemos visto en otras historias del teatro universal al negro contra el negro etcétera entonces ha sido una investigación bien utilitiva para nosotros que le da coherencia el trabajo que veníamos haciendo con Paín Necubro en años anteriores y estábamos en un proceso de que llevamos a propósito nos tocó también estar montando nosotros estrenábamos un día antes que en La Nona y Marcelo estrenábamos el 4 de junio estaba ahora una producción con el Teatro Finisterre y nos tocó también el proceso creativo a afrontarnos al estallido social la obra está contextualizada la anécdota es una comunidad que está en una época actual y está inmerso en un proceso de huelga de hambre entonces la lucha estaba muy presente ya desde el texto nos encontramos con el estallido social y finalmente nos hace generar ciertas reflexiones súper importantes para la obra en este proceso que estábamos experimentando entonces también un proceso de detención calma de ir mucho a las marchas participar muy activamente y no dando cuenta como de alguna manera testiando el impacto tanto de la obra o como impactaba uno a la otra el proceso social y la obra ya como en un proceso de obra como dar otra alimentación constante nos tocó ese proceso entonces pudimos ensayar con muchas dificultades teníamos una salida de ensayo en pleno centro y en Portugal en plena zona cero y después cuando pudimos ya retomar bien en la pandemia entonces alcanzamos a tener alrededor de un 50% de la obra montada y qué fue lo que pudieron mostrar o de qué manera participaron en el ciclo hicimos una lectura dramatizada montamos alrededor de 35 minutos que era parte de la obra de lo que ya estaba montado que de alguna manera esos 35 minutos son como un mostrario hacia dónde va la obra y una presentación también de la situación los personajes y fue muy entretenido como teníamos tuvimos este proceso de detención en el estallido este proceso de detención en la pandemia y nosotros lo vivimos con todo el proceso de montar esta lectura dramatizada lo vivimos con todo en el sentido que para nosotros fue un estreno porque también nos daba como nos daba como cierta cierta o el feedback que podríamos tener con el espectador para nosotros era súper importante abrir el proceso en el 50% es dramaturge original no teníamos más diálogo que el que podemos tener nosotros dentro de la compañía en relación a la obra, no existe otro no era una obra que existía antes que la conocía la gente es una obra original era muy importante para nosotros el feedback que podíamos tener con con amigas y fue muy bonito porque la plataforma no otorga la posibilidad de que el ejercicio lo presenciaron en distintas partes del mundo nos escribieron de Francia, de Italia de España fue muy bonito ese proceso y que eran términos técnicos nos pasó algo parecido como lo que contaba la mala y el Héctor que maneja la plataforma nos ayudó muchísimo a conocer también los los recursos técnicos con los que podíamos contar en términos de íncer, de música etcétera y se hizo un trabajo súper atractivo muy bonito para nosotros Bueno, lo que hablas Eduardo sobre la importancia también de abrir los procesos porque para algunos significó ir en la mitad del camino y abrir algo que podría haber sido presencial es como abrir la sala de ensayo frente al público pero vamos a hacer un pequeño recreo dos minutos para que puedan calentar sus café, sus mate, sus té y nos reunimos para seguir conversando y vamos a abrir las preguntas sobre algo que me parece que es muy interesante que tiene que ver con los programadores y los artistas de estos mundos que a veces pueden estar un poco lejanos y que en estas circunstancias y este contexto se han podido encontrar precisamente por abrir los procesos y de alguna manera exponer también cómo van los caminos de cada proyecto así que nos encontramos en dos minutos, máximo cinco no se desordenen Si, solo decir que no cierren este zoom que el link queda abierto vamos a dejar así, a quien apaga su cámara estamos en confianza así que a las 11.25 yo tengo ahora las 11.22 vamos a estar de vuelta retomando y se van incorporando de nuevo y te preparan sus preguntas para los que quieran preguntar específicamente algún trabajo ya hay algunas manos levantadas así que quienes quieran pueden ir levantando las manos y también retomaremos algunos comentarios porque el chat ha estado bastante activo y interesante comentando esta conversación Nos vemos entonces en dos minutos ¿Cómo estamos? ¿Se escucha? Se escucha Se escucha Ya se están sumando Cuentan en el chat si ya me van volviendo Perfecto, que bueno han salido muchos temas así que vamos a tratar de ir pasando por todo y también abrir el espacio que los programadores puedan preguntar inquietudes sobre los procesos sobre los trabajos sobre esta relación también entre los productores los artistas aparece también interesante el nuevo roles del diseñador teatral de como también ellos han acogido las nuevas plataformas los tiempos de duración como documentamos los trabajos como antes, hace años la obra era para postular algún festival pero no necesariamente para exhibirla hoy día el proceso de documentar el trabajo también se ha convertido en algo importante la modificación de los contenidos a partir de las vivencias en esta nueva plataforma las difurcaciones de los trabajos así que hay harto de que hablar y por ahí ya hay algunas preguntas habían algunas manos levantadas vamos a ver quiénes Pamela López Eduardo Moreira partimos con Pamela López estás por ahí Pamela aquí estoy bienvenida bien pues y tanto tiempo abrimos la sesión esta nueva segunda etapa segunda parte con lo que tú quieras comentar y preguntar adelante no, primero dale las gracias a todos por abrir el proceso, por contarnos porque uno intuye lo que pasa detrás de la cámara pero escucharlo de boca de usted es súper interesante y felicitarlos por la valentía creo que estamos todos en lo mismo los programadores, los espacios, los artistas experimentando y viendo que pasa con estos formatos quería preguntarles un poco desde el lugar de la recepción de los trabajos que han tenido de los públicos hoy día los públicos también en algunas de las obras que hemos podido ver son parte de la obra comentan, chatéan algunos prefieren que el público esté otros prefieren que el público no esté que sea una experiencia más no sé, más distanciada etcétera y nosotros hoy día en la tarde también vamos a hablar de algunas encuestas que hemos levantado como espacio, nosotros con las obras como cosas que estamos haciendo estamos tratando de recogir información nueva que no conocemos de estas personas que están hoy día participando y viendo estos contenidos como creadores y como artistas qué dudas tienen o qué preguntas les vienen a lamento a mí como programadora por ejemplo me interesa saber cuánto tiempo se conecta la gente, en qué horario se conectan las personas o sea como un poco de guardia en algún momento nombrada todas estas nomenclaturas que tenemos como de sala, de teatro que hoy día se ven nuevas inexistentes por descubrir ustedes como creadores qué desafíos ven desde ese lugar de la recepción qué preguntas tienen qué cosas les gustaría saber y en ese sentido de qué forma los espacios y los programadores podemos ayudar a hacer contrapartes en sortir y nutrirlos de esas informaciones esa me gustaría saber de parte de ustedes perfecto, muchas gracias Pamela hay alguien que quiere a tomar esta pregunta y responder o quizás haya más de alguien pero está abierto el espacio por abrir el fuego nomás gracias Marcelo a ver, yo por ejemplo quiero hablar desde dos perspectivas obviamente que cuando esto comienza y se empieza a abrir cierto espacio, primero como para una especie de solidaridad mundial y se empiezan a abrir ciertos espacios de visionado de registros de obras de teatro que fue lo que primero partió entonces de repente en el National Theatre decía hoy llevamos a esta hora que la teníamos guardada, la vamos a dar en Youtube en tal parte o la Shao Boone porque tú también que hizo, uno empezó a ver y casi todos tenían el problema de que eran registros solo registros, no había un lenguaje, si uno se fija por ejemplo lo que pasaba los registros de la Shao Boone por ejemplo, yo vi una hora de Teatro Cervantes, una hora de Splash era simplemente un registro no como lo que hace por ejemplo el National Theatre que es una transmisión y esa transmisión tiene más cámaras tiene un lenguaje distinto o sea de alguna manera está ensayado aunque es con público son grabaciones de algo que fue con público, como lo que se va a ver ahora por ejemplo con un musical con Hamilton que lo va a estrenar Disney que uno llovilla el trailer y se ve una cosa pero alucinante a otra escala también eso fue lo primero, luego empezó esto de Zoom o de transmisiones en vivo a partir de estas plataformas y ahí ha sido muy distinto y creo que para mí como espectador fue muy estimulante desde ver obras que por el formato permitían digamos un poco lo que estamos haciendo ahora que es como ver distintas caras que de alguna manera van interactuando con tanto historia hasta experimentos donde ya más se ve el teatro se ve digamos como que en algún lugar del otro lado en la pantalla está sucediendo el teatro y uno de alguna manera lo fijonea con una cámara un poco lo que decía antes Pamela yo creo que nos pasa como en el cine como en el cinemudo estamos tratando de experimentar no sólo evidentemente que no podíamos hacer lo que estábamos haciendo lo que estábamos haciendo si bien es distinto ahora como el taller o como el noche macuche igual correspondía un poco a la estética que tenemos en la pieza oscura por lo tanto hay mucho movimiento hay mucha cosa física y eso en este formato no se podía eso si ustedes por ejemplo lo ven en el documental nosotros de Space Invaders hay un pedacito que hacemos como una lectura dramatizada un poco como lo que fue finalmente lo que hicimos en bateatro hoy pero también un pedazo del registro de lo que estábamos haciendo en vivo entonces ahí se ve un poco cuál es la diferencia creo que como espectador la largura es es un tema cuánto tiempo podemos estar conectados creo que básicamente todavía porque no tenemos tantas herramientas y efectivamente uno puede ver una película que dure 2 horas o puede pegarse una maratón pero evidentemente es otro otro lenguaje entonces yo creo que claro así siendo súper drástico como que yo digo así como 40 minutos 45 minutos es como que vendría a ser como uno podría de repente decir que es como lo máximo pero también va dependiendo de cuál es la cantidad de estímulos que te va ofreciendo y hay cosas muy distintas estoy pensando en lo que se hizo con el rey se muere que el rey se muere claro podría estar el fin de semana dando vueltas pero también de atrocitos de atrocitos chicos y la recepción creo que en este caso está siendo súper mejor la compañía que uno ejerce como teatrista como artista de conectarse con la gente voy a poner un ejemplo que es un poquito lejano la nona ahora se tuvo que desconectar entonces lo voy a contar igual Kau Company hizo una lectura de un texto de la nona en un pedacito de su novela Voyager que la leyó el Marcelo Alonso en una instancia digamos como así como con el público estaba mirando en vivo el Marcelo leyó como 40 minutos de un texto solamente leyendo la novela con el libro en frente digamos y se creó una comunión muy entretenida que se completa y eso también es súper entretenido se completa mucho que es lo que pasó siempre en el ciclo de teatro es con la conversación posterior o sea esa dualidad es una cosa que la gente agradece mucho y eso no lo puedo Marcelo perdóname en ese sentido el público que tú percibes el mismo público que lleva el teatro o es un público nuevo que se ha podido cautivar a través de esta nueva plataforma a mí me da la impresión de que un público interesado es un público que echa de menos lo que teníamos o sea creo que es eso creo que es eso más que un público como más general como más general que no hubiera ido al teatro porque de alguna manera aquí entrar a estas instancias tiene mucho de voluntad o sea hay que llegar hay que inscribirse o hay que entrar a un zoom o en algunos casos hay que pagar una entrada yo por ejemplo con la Nona estamos como fanáticos de estos conciertos que hace Pedro Asnar por ejemplo que al principio hacía unos lives y ahora hizo dos últimos que incluso eran pagados son experiencias de comunidad y uno le agradece mucho al que está del otro lado pero es un ejercicio de voluntad o sea tú tienes que sentarte en eso distinto a la tele y la tele todavía tiene esa cosa que uno la enciende en ese sentido es parecido a ir al teatro y creo que todavía funciona como un sucedaño del teatro la gente que ve estos espectáculos gustaría volver al teatro Eduardo Moreira estaba levantando la mano estaba levantando también antes creo yo para responder un poco a Pamela aquí se dan dos situaciones primero como dije en un momento uno efectivamente todos teníamos un registro me parece yo hacía lo mismo que era la cámara fija o si se pudiera a dos cámaras y tenías un buen registro de la obra y eso lo mandabas a festivales o a los distintos lugares hoy día como yo creo que la realidad de verdad nos ha cambiado esto no va a ser la única pandemia que vamos a tener se viene más con tanto el tipo de vida o el mundo como lo conocimos antes no va a volver a ser el mismo evidentemente nos lleva a nosotros a un replanteamiento no sólo del espacio sélico el espacio sélico ya no va a ser el teatro tradicional o la calle sino que también van a entrar hacia más íntimos como dije al principio tu departamento, tu casa todo eso está ocurriendo ya no son espacios que se van a cerrar esto se va a mantener vamos a tener el teatro, vamos a poder ir al teatro en algún minuto de nuevo pero este formato no se va cerrado, se va a quedar abierto como dice Marcelo claro es un ejercicio de voluntad vas te conectas o pagas esta entrada también de un ejercicio de voluntad ir al teatro no, ir al teatro pagar la entrada como tu llamadas público para que vieron tus obras según las temáticas que tú presentabas etcétera ahora no es un registro sino que tenemos que encontrar incluso quizá un nuevo lenguaje porque tampoco es sólo el audiovisual es como tú logras transmitir esta emoción que tienes interpretando actuando a través de la cámara entonces implica que tú tienes que hacer un un cruce de lenguajes va más allá de sólo grabar o decir grabame la mano, es realmente encontrar las formas de comunicación entre ambos lenguajes, por otro lado se va que hay todo un público al cual estaba difícil acceder que era el público más más joven que tenía dificultades para ir al teatro, ese público es un público completamente online al cual la idea que tenemos un acceso yo creo que mucho mayor, o sea es un taller de putos donde se iban a llegar 5 personas y de pronto yo tenía 80 personas online, yo no pensé que iba a funcionar el taller, ha sido realmente increíble, se pueden transmitir los excesos, se puede llegar a ese estado de uno busca lo mismo que en vivo, que el círculo tomarse las manos, todas esas cosas claro, pero finalmente nuestro cerebro es búctil es adaptable, es flexible y yo creo que a eso tenemos que acceder, hay un público nuevo que se nos presenta en estas plataformas hemos podido aumentar el público con esto, público que después probablemente irá a vernos también al teatro en ese sentido, bueno, con el tiempo efectivamente no creo que haya una resistencia para ver obras de una hora y media, yo creo que si hay que bajar el formato, tal vez a 45 minutos, 40 minutos es lo que pueden resistir a una pantalla, puesto que no es una película es una obra donde vas a indagar en otro tipo de lenguaje es lo que nos toca vivir es a lo que tenemos que llegar son los formatos a los que tenemos que adecuarnos, son desafíos creativos y son desafíos también de formación de audiencias, como lo hacemos por ahí creo un poco que tenemos que ir mezclándonos en esto, como atrapar este nuevo público que se nos presenta aquí online, encontrar nuevos lenguajes creativos, ver cómo seguimos haciendo teatro de esta forma hasta que podamos volver a tocarnos todos, a estar en un escenario con 100 personas de público, de pacienta un poco eso, pero creo que funciona, creo que efectivamente es posible hacerlo es posible dar funciones desde esta perspectiva es lo que podemos hacer ahora un poco... Muchas gracias Natalia muchas gracias Eduardo Moreira adelante por favor Buenas, bueno yo hablo voy a intentar hablar en español perdón por mis mis errores, porque hablo portugués yo hablo de Brasil de Grupo Galpão e... gostaria gracias estoy muy contento de estar aquí con ustedes la cuestión que pone Pamela que me parece muy importante me gustaría hablar muy rápidamente de una experiencia que tuvimos acá nosotros íbamos iniciar un espectáculo sobre la poesía contemporánea brasileña y este espectáculo iría a estrenar el 3 de abril en el festival de teatro de Curitiba acá en Brasil pero con la pandemia se terminó y nosotros hicimos una experiencia de muy interesante de un mes haciendo los ensayos en la plataforma Zoom de este trabajo de casi un mes intentando el trabajo era una pesquisa sobre la relación entre teatro y poesía lo que lo teatro puede hacer por la poesía puede hacer por el teatro entonces las relaciones entre la imagen la palabra la escucha, todas esas cosas este trabajo fue interrumpido nos pusimos a ensayar por el Zoom intentando capturar algunos principios de los trabajos que estábamos haciendo en la sala en la sala del ensayo entonces lo que hicimos a partir invitamos un director de cine Pablo Lobato que registró todo el material y a partir de esto creó una especie de un documentario con recorte de nuestros ensayos virtuales un firme ensayo de media metraje donde utilizamos todas estas ferramentas digitales en verdad este filme, este trabajo que es un poco teatro un poco cine tiene una hora a 50 minutos muestra un grupo de artistas desesperadamente intentando continuar a hacer el teatro creo que de este desespero brota un un puimento una imagen, un documento un documentario muy interesante sobre este momento que estamos viviendo yo creo que esto es una forma también que creo que cómo trabajar a partir mucho de las dificultades de estos ensayos colectivos a partir de eso, todos los errores que cometimos todas las tentativas de pensar la cuestión del encuadramiento de la luz de cómo actuar como los actores atúan como los actores, los cuadraditos se relacionan entonces se quedó una obra muy interesante muy desafiadora para nosotros yo creo que es una posibilidad también de dejar aquí en este seminario tan importante este depoimento breve Eduardo, cómo evaluarías tú la recepción de parte del público en Brasil fue fue muy sorprendente para nosotros porque la gente se quedó verdaderamente muy emocionada hubo una recepción muy caliente del público especialmente porque creo yo no por una cualidad artística o de video arte del trabajo pero principalmente yo creo que el trabajo es un testimonio un testimonio muy muy significativo de este momento un poco desesperador de un grupo de artistas intentando seguir a hacer teatro o seguir a hacer nuestra arte de actuación en este momento tan difícil de pandemia muchísimas gracias Eduardo Gilmo Oliveira acaba de dejar en el chat el portafolio del trabajo del grupo Galpau para que puedan visitarlo y puedan conocer más sobre también el grupo y el colectivo a Biler Bidaurre estás por ahí que tienes la mano levantada hola hola hola hola como están buenos días no te escuchamos tan bien quizá hay que corregir algo ahí con el audio Biler por favor ahora sí sí ahí mejor bueno qué tal de dónde eres de dónde nos hablas soy Biler Bidaurre desde Cochabamba Bolivia bienvenido muchas gracias a todo el equipo de Santiago Amil a Andrés García que me invitó bueno muy contento y feliz de estar entre medio de tanta gente que está produciendo a diferencia de nuestro país no voy a quejar un poquito al mismo tiempo voy a pedir ayuda porque encuentro que aquí estamos en un lugar en un espacio para empatizar con el otro la pandemia nos está llamando la atención para redeginirnos para renombrarnos para trabajar la inteligencia colectiva teatral escénica por lo tanto les estoy muy poca muy poca experiencia en Bolivia en cuanto a las transmisiones por online una experiencia muy bonita del municipio de La Paz que cabe decir y aclarar que en toda nuestra Bolivia en departamento de paz a través de la Secretaría de Cultura como un ejercicio de la política dentro de la cultura Paseña son los que están trabajando muy bien en ese sentido porque tienen una ley municipal de Culturas etcétera entonces a través del Teatro Municipal sí están transmitiendo obras de teatro a través del online y eso para nosotros es fabuloso en Santa Cruz también hay unos experiencias interesantes a través del estándar más que todo ahora y en una sobreje teatro lo que sí se está viendo un poquitito más tampoco es un nivel impresionante es las películas bolivianas se ha abierto un espacio como cine boliviano a través del streaming y demás socializar las películas de manera gratuita pero hemos llegado solo hasta ahí nos faltan herramientas nos faltan obviamente políticas culturales y de paso se ha dicho que hace poquito nos quitaron el ministro de Culturas en Bolivia que se había implementado en 2009 y actualmente no gozamos no tenemos en qué ampararnos no tenemos leyes no tenemos nada desde el estado para ser más claro entonces todo esfuerzo siempre viene de la sociedad organizada en este sentido la parte artística lo que decía es que nos faltan las herramientas para trabajar en el online en las redes sociales etcétera entonces quizás de manera por ahí más privada podríamos contactarnos con algunas compañeras-compañeros del seminario que quisiéramos trabajar por ahí de manera más particular con gente interesada en Bolivia eso y por otro lado estoy viendo que tienen muy buenos resultados la mayoría de los compañeros y compañeras que estoy escuchando en el tema de la recepción nosotros en Bolivia trabajamos con muy poco público la mayoría en Bolivia tenemos espacios autogestionarios yo tengo mi formación de teatro una escuela y también tenemos un espacio para la presentación de obra de teatro y en general tenemos casi el 80% de los espacios son espacios independientes en Bolivia el estado tampoco tiene los espacios para la decisión y la promoción por lo tanto el público es muy complicado para trabajar tenemos espacios de 60-70 en algunos casos 80 espectadores entonces la situación está muy complicada en Bolivia en este sentido y nos gustaría trabajar en cómo captar digamos a nuestro público de hecho no lo teníamos en vivo ahora imagínense un poco más complicado eso es un poquito el panorama que podría darles un poco más de esto muchas gracias Biler dejaste tu mail para poder contactarte y que podamos generar algún vínculo desde los distintos lugares también alguien dice levanto la mano no me sale el icono de levantar la mano Alexandra von Hümmel tienes que... ahí, perfecto adelante yo creo que pasa que todos estamos viviendo un pequeño duelo y que hay que hay que repensar cómo funcionar cómo construir cómo establecer comunicación con otros públicos público, públicos porque en el fondo esta plataforma nos obliga a ser zoom a otras cosas como que zoom nos obliga a ser zoom como centrar nuestra atención en algo en particular y si me... y a propósito de la pregunta de la Pamela como cuál podría ser el rol de los espacios yo creo que habría que pensar qué podemos hacer con estas plataformas que antes no podíamos hacer cómo aprovecharlas desde otros lugares y yo imagino que en general uno podría hacer juego un poco como lo que se refería a Marcelo del proyecto el rey se muere que quizás no todos lo conocen pero que son los contadores auditores que piden a distintos artistas distintos creadores mediante instrucciones que significuen parte de esa obra y entonces la obra se compone de múltiples propuestas entonces a propósito de esta plataforma zoom que no alcanzaba 45 minutos yo creo que alcanzaba media hora uno podría programar o jugar como con un diálogo creativo entre cosas diversas en general nosotros no podemos hacer eso la sala tenéis que abandonar la sala otro entra etcétera pero en un formato más corto y pequeño uno sí podría ser diálogo creativo pero no diálogo creativo discursivo diálogo creativo encarnado o sea esta lecturita con esta otra con esta imagen dan un quizás un todo que es el espectador o es el que se mira que encose esas relaciones y establece su propio juego y por otro lado aparece a partir de lo que dicen de que se amplía el público etcétera entonces quizás también podría ser que los espacios se ocuparan de abrir la difusión y concentrar la difusión por ejemplo mucho más en regiones en general creo que se está haciendo no lo sé en realidad tan claramente pero como que se está haciendo una difusión en general bastante parecía a la difusión que hacíamos antes por las salas pero no hay una difusión que podría que tener que ver con este formato que tiene que ver o sea en el fondo preguntarse qué podemos hacer con este formato en qué puede abrir algo cómo se modifica la circulación de los trabajos y de los contenidos a futuro eso creo que es un tema súper clave porque nos ha abierto la posibilidad por ejemplo de hablar con Biller y conocer qué es lo que está pasando en Bolivia y como quizás nuestros trabajos también se pueden exportar hacia diversas plataformas en otros lugares creo que es extraño porque esto es una cosa entre medio que nuestros cuerpos todavía están tratando de entender pero cuando tú hay al cine la pantalla no sabe que tú existes si alguien se muere en el público la pantalla sigue en este caso yo a pesar de estar mediao por una pantalla sé que hay otros ahí en ese momento presente observando eso incluso lo puedo ver entonces hay algo que es una cosa que a pensar que que puede ser estar en un lugar entre en un entre súper interesante el tema de la circulación Marcelo, quieres acacotar algo? si, lo que pasa es que estaba pensando en eso mismo que creo que con la Ale que no nos vemos presencialmente desde el verano pero fuimos al teatro junto porque estuvimos juntos en la función del Teatro de la Peste de Valparaiso que es una obra que probablemente nosotros no habríamos tenido la oportunidad de ver sin pandemias claro, porque claro uno coincide y finalmente claro puedes ver experiencia y esa era una experiencia teatral que era una experiencia bien poco súper no era como en general como las cabezas parlantes que se acercan o se alejan de la cámara había como como otra cosa entonces respondiendo la pregunta de la Pamela de nuevo es súper interesante lo que dice la Ale de que esta plataforma así que no tenemos ninguna excusa de que sea para los dos lados nacional o internacional incluso o sea que nosotros podamos ver los trabajos de otras compañías donde hay un movimiento teatral más o menos incipiente y que eso vaya creciendo que es lo que uno cuando viaja a distintas partes del país es lo que la gente de esa ciudad es pide también o sea que haya una escena particular de esos lugares esta es una oportunidad para promover el flujo en ambos sentidos yo quiero devolverle la pregunta a Pamela con respecto a como ha sido para ustedes para ti como programador y como centro cultural tener un trabajo que le ha ido muy bien y que ha tenido una llegada muy importante frente al público como mente salvaje y como eso también ha abierto la posibilidad de que ese trabajo por ejemplo pueda circular hacia otras plataformas o llegar a otros lugares mira, respecto a la experiencia creo que no hay que dejar de lado algo que es súper importante que se ha dicho en algunos momentos que es que pese a que el trabajo es digital y se ve por una pantalla es un trabajo que sí tiene una materialidad detrás o sea, me refiero hay productores, hay técnicos hay cosas que se necesitan quizás no hay escenografías a gran escala pero hay un trabajo material también que es importante no invisibilizar o sea, no es porque sea una obra por suma, es solo un computador y un actor y listo chavón o más sino que hay una cadena productiva que nosotros hemos tratado de que se mantenga en algún formato similar a lo que es el trabajo colectivo de las artes escénicas en el trabajo presencial y respecto a lo de las regiones han sido desafíos importantes o sea, para nosotros es muy importante la métrica y perdona que sea tan catete con esto pero la métrica no es por medir cosas y por hacer números y cifras porque te ayuda a tomar decisiones después y desde ese punto de vista sabemos que hay casi un 30% de las personas que se están conectando a ver ese proyecto cultural en particular desde lugares distintos a la región metropolitana y eso es algo importantísimo y no sólo eso sino que hay otra pregunta que hacemos que es cómo está usted vinculado a las artes escénicas un poco para desmitificar esa cosa de que es solo la gente de teatro en la que está viendo estas cosas y no es así, o sea, casi el 60% o 70% de los públicos son personas que no están vinculados al trabajo de las artes escénicas y eso ha sido súper relevante y hay que ver cómo potencialo y lo que dice la Aleponte tu, yo concuerdo o sea, estamos obligados ahora a difundir de otra forma porque la red social, el Twitter del gamo, del teatro que sea no está llegando a la señora en Puerto Mont, que probablemente no está suscrita a esa red social y también de cómo comunicarlo fuera hemos buscado alianzas con consulados a lo largo del mundo lamentablemente los consulados y las embajadas chileras también están desapareciendo a lo largo del mundo hemos buscado apoyo en las iniciativas regionales en los municipios, en fin, es como fortalecer una nueva red de trabajo y eso ha sido importante. Perfecto, muchas gracias Scarlett tú habías levantado la mano de Alpachino, ¿no? Sí Me quería un poco sumar a lo que decía Marcelo y Alexandra un poco, si sentimos nosotros desde nuestra idea que un poco la pandemia para mirarlo positivamente es una oportunidad para un proceso de democratización un poco desde la misma escena desde la disciplina y también desde la descentralización o sea, nunca tuvimos tan cerca al público que están en regiones porque ya por eso lo vimos si está ahí en Santiago o si está ahí, no sé, en Concepción tenía el público igual en la pantalla y mismo entonces eso también ha hecho que quizás personas de otros lugares que no tenían el acceso para ver nuestra obra que estaba en Santiago ahora sí la pueden ver desde otro lugar y por otro lado también pensábamos nosotros en la mediación que existe las actividades de mediación que existe con los procesos creativos porque no solamente ahora es importante la obra propiamente tal sino que también es importante las actividades asociadas a esas obras lo que decía Marcelo recién que leyeron esta obra y que luego terminaron con un conversatorio vemos que eso también acerca a los nuevos públicos el abrir nuestros procesos creativos el abrir nuestra disciplina el mostrar la actividad del diseñador del músico de los actores un poco develar los mecanismos develar los procedimientos eso siempre, eso por lo menos para nosotros, para el público de Antimeto ha sido súper súper bueno y como los interesa Cacha y como en el fondo empezar a decir en esta obra no sólo los actores son importantes también el diseño, también la música todo construye y todo tiene discurso es una oportunidad para mostrar también eso una especie de como decía recién democratizar el proceso creativo y mostrar todos y un poco quizás claro la obra se construye de eso pero no todos lo conocen o sea me ha pasado de repente que yo digo no soy actriz productora hay que hacen en la producción entonces ahora como que hay un poco hay un poco de demostrar todo eso decir mira pasa esto, esto y esto los talleres, los seminarios y creo que es una oportunidad también para eso muchas gracias Scarlett Pancho Reyes está con la mano levantada delante Pancho en la misma línea lo que está diciendo Scarlett y lo que apunta un poco a la Ale también y Marcelo yo creo que evidentemente es una plataforma una nueva cosa que nos estamos enfrentando que tenemos que descubrir hasta donde puede llegar pero yo creo que puede llegar muy lejos y en el sentido como de democratizar por decir así los trabajos yo creo que nos puede permitir incluso trabajar por ejemplo hacer un montaje con actores de Punta Arena, de Arica de Santiago al mismo tiempo de Bolivia o de Brasil nos podría llegar a permitir hacer obras con gente con actores de de tinta localidad y ese mismo proceso que va a hacer la difusión de alguna forma la difusión puede ir también por ese lado en la medida de que los actores también no sean solamente de una compañía centrada solamente en Santiago por ejemplo es algo que hay que hay que explorar pero esta plataforma nos da esa posibilidad con respecto a los tiempos yo creo que Ale no hay que cerrarse a nada yo contaba, hice un preestreno de la versión de Chori que la hice en video previamente no eran directos pero yo presentaba la obra y luego constituimos un conversatorio en vivo la hora duraba una hora y por lo menos la experiencia de ayer fue buenísima y la gente la siguió la hora completa sin ningún problema no nos pongamos trabas previas echémole busquemos por donde sea y también con el Néstor Cantillana en la dirección estamos haciendo una experiencia con la obra de los invasores de Wolf pero solamente en audio solamente en radio teatro es instagram potas pero también es otra exploración interesante eso también como se abren las posibilidades pero esta plataforma nos puede llevar algo muy positivo si, también como reducamos a la audiencia es porque recordemos que en las distintas redes sociales invitan a consumir contenido a veces que uno puede poner un computador y pone youtube y funciona durante 7 minutos y no necesariamente hay que ponerle tanta atención uno puede cocinar yo he conversado con personas que me dicen vi mente salvaje y estaba comiendo o estaba cocinando entonces también como uno reduca sobre la experiencia de sentarse frente a la pantalla a consumir un contenido teatral una gran tarea Ale Moreno, estás por ahí adelante, Ale, actives un micrófono aquí estoy, aquí estoy, se escucha ¿no? si, se escucha bueno yo soy de la familia teatro de Maduro pienso que yo soy creo que la emergencia nos ha puesto en un lugar súper particular publicado a ser muy creativos y a buscar alternativas que nos permitan llegar de alguna forma al público con los teatros absolutamente clausurados creo que en ese sentido todo lo que se ha logrado es maravilloso sin embargo yo así como Marcelo decía creo que la presencialidad es justamente el hecho y el fenómeno que nos mueve pero entendiendo esta distancia que tenemos que guardar también han nacido estos otros formatos las aperturas de los procesos, esta entrevista estos subproductos de la obra que yo creo que vienen a complementar nuestro trabajo a complementar lo que uno le puede entregar al público la cantidad de subproductos que uno le puede entregar y creo que esto se va a sostener que va a instaurar esto va a quedar porque siento que a todo no hace mucho sentido no sólo presentar una obra sino que también mostrar todo lo que hay detrás de esa obra todo lo que construye esa obra más allá de sólo el fenómeno escénico y en términos de que la puede haber mucha más gente y todo que se abre que se puede trabajar a nivel nacional y considerar un poco que estamos en un escenario de brecha digital importante y creo que si hablamos en términos de democratización creo que hay un factor en el que hay que detenerse en el que hay que trabajar porque si bien nosotros decimos esta obra es por Zoom y es gratuita si analizamos los costos por así decirlo o los desentrañamos para tener Zoom hay que invertir en un dispositivo hay que invertir en internet entonces hay un costo asociado de todas maneras y costo que algunas personas no algunas personas no o sea hecho que algunas personas no pueden acceder incluso hay localidades o lugares en que el internet no funciona, no levanta esa brecha digital que hace que el acto presencial por ejemplo cuando uno va al teatro de Bozor que te compra la función la municipalidad o algún centro cultural o algo ese espectáculo es gratuito ahí se genera una gratuidad solo hay que ir en cambio el Zoom no es tan gratuito si lo miramos desde el punto de vista de tener este costo asociado de dispositivo internet o por último en último caso la imposibilidad de conectarse debido a las condiciones técnicas no sé, yo creo que hay que seguir pensando en eso yo siento que la presencialidad por supuesto que no se va a eliminar nunca yo creo que la base fundamental de nuestro trabajo pero creo que toda esta búsqueda y toda la creatividad en la que hemos tenido que sumergir en estos tiempos difíciles van a generar esta instancia complementaria yo siento que son complementarias, yo creo que esa es la palabra aquí no se puede reemplazar una circulación pero si se puede circular de manera alternativa si no existen las condiciones pero siento que el eliminar la presencialidad y sobre todo la gratuidad absoluta que significa estar en un teatro en el nos saca de este profundo concepto de democratización yo creo que también tenemos que pensar en todos los factores que involucra perfecto, muchas gracias Ale interesante también pensar en como los programadores los municipios, los colegios comienzan a sumarse y empiezan a ser parte de sus actividades también por ejemplo en el caso de lo que decía Ale si es que una familia no tiene acceso probablemente para poder consumir de estas actividades culturales si lo pueden tener quizás los colegios, las universidades también pueden ser canales desde donde podamos llegar a ellos me dicen por el interno que tenemos que ir un poco cerrando así que vamos a tratar de ser breve con las manos levantadas que nos quedan que nos queda, Lorenzo a Malay Cotis y Fuentes para que vayamos cerrando Lorenzo Ariel desde Bolivia hola, hola a todos buenas tardes acá bienvenido Lorenzo voy a ser breve, muchas gracias por el espacio una gran oportunidad de encontrarnos y como ya expuso Willer un poco la situación en Bolivia tiene su particularidad que no vista mucho de las otras si hay una hay una situación muy complicada desde lo político veníamos en una crisis hemos entrado con la crisis de un gobierno transitorio y bueno se está agrandando entonces quería un poco exponerles para también informar yo vengo de Santa Cruz he trabajado en el Festival Internacional de Teatro es el evento más importante que tenemos en Bolivia Andrés nos pudo acompañar el año pasado y digo he trabajado porque ahora la situación es incierta del festival realmente ayer he hablado con la gerenta de APAC que es la asociación pro-articultura y la gerenta no está trabajando en la oficina la oficina casi está cerrada no saben cuál va a ser el futuro de al año entonces hay una incertidumbre bien grande y estoy poniendo un ejemplo sobre el evento más importante que tenemos en teatro en Bolivia para un poco ubicarnos el contexto luego sobre las actividades que se están dando virtualmente en teatro si hay intentos muy escasos recién por ejemplo se ha anunciado la primera obra por Zoom virtual que es un trabajo de Rodrigo Bellot que pronto está al diente pero imagínense la reacción está haciendo muy lenta está haciendo muy muy yo diría no está articulándose con lo que está sucediendo o las oportunidades que nos brinda y que estamos escuchando justamente y de las experiencias que acabamos de ver y que las hemos seguido desde acá y nos parece genial hemos seguido mucho toda la programación y está genial eso un poco como un pantallazo de lo que es Bolivia y bueno la necesidad de articularnos es fundamental la necesidad de generar estos lazos de pensar la red y agradezco por siempre tenernos en cuenta y bueno estamos acá y estamos como se dice vivos gracias igual nosotros estamos acá para que nos puedan enviar algún link o algo que nos pueda servir para compartir y también ver el trabajo de la primera obra en Zoom que ustedes van a tener así que esperamos eso también gracias Amala y Cotes y Fuentes no sé quién quiere de primera Amala vamos a ver el micrófono es solamente un poco en sentido de lo que decía Alexis Moreno recién de la brecha digital o de la brecha tecnológica no solamente es una brecha para las audiencias también es importante tomar en consideración las propias brechas Lorenzo no no es que antes hablo Alexis Moreno y que hablaba de las brechas y yo quería mostrarles bueno Pancho Reyes ayer apareció en el noticiero no me acuerdo si era chilevisión o tvn donde mostró un poquitito su backstage cómo transformó su casa en el escenario y les quería justamente compartir un poco no sé si logran ver pero esta es una foto que yo tomé de cómo yo transformé mi living con Cico Pago López cuando tuvimos que adaptar brúo en memoria es un trabajo complejo porque es tu casa entera son dos computadores no todo el mundo tiene dos computadores de hecho el segundo me lo prestaron como uno trabaja no son focos en el fondo son tus ampolletas caseras es muy enriquecedor porque empiezas a transformar tu propia habitación como el espacio creativo de escénico pero mismo tiempo muy frágil sigue siendo muy artesanal y eso de alguna manera también complejiza mucho la creación porque si no tienes ese espacio si no tienes esa tecnología o esa cantidad de ampolletitas que te conseguiste con el vecino no puedes desarrollar un producto que sea para la audiencia a través del zoom que sea lo suficientemente teatral o teatralizable entonces yo creo que como bien deseado en Alexis Moreno que en el fondo este formato de teatro virtual llegó para quedarse no significa que tenga que reemplazar al teatro presencial o al teatro de sala pero si se va a transformar en una especie como de lenguaje paralelo vamos a tener no solamente que volcar nuestra creatividad eso sino que también los recursos y la producción cuando Scarlett hablaba de la importancia que ahora la producción para teatro por zoom va a ser súper importante también y como los recursos que podamos tener si en estos públicos o privados van a tener que también destinarse a la adaptabilidad de nuestros hogares para que la creación tenga una calidad desde un desde para arriba y que no parezca una simple charla por cámara perfecto muchas gracias importante también como los fondos se adaptan a los nuevos requerimientos y como algo que parecía ser que era item vestuario se tiene que modificar y es iluminación para que los actores puedan modificar sus espacios y todo lo que hay ahí cotes y fuentes desde nave para cerrar este encuentro bienvenida muchas gracias por estar muy contenta y muy importante escucharnos y entender las complejidades que estamos viviendo hoy sobre todo a la mano de los creadores y también tomando un poco la posta en relación al tema de cómo trabajamos desde los espacios culturales solamente quería dar un giro en torno al tema de los públicos y girar un poco más hacia el tema de la creación y creo que hoy día es súper importante también el rol de las instituciones culturales de los festivales y de las plataformas que trabajamos con los artistas y los proyectos actuales como repensamos la producción actual lo que está sucediendo o lo que le sucedió mucho a usted durante la invitación que les hizo teatro hoy otra cosa es cómo podemos generar creación hoy a partir de los formatos actuales qué financiamiento podemos generar desde los espacios culturales para generar una programación específica para estos meses que vienen porque sabemos que a pesar de que quizás en algunos países ha ido levantando no sabemos mucho sobre el futuro entonces es importante también repensar esa lógica invertir en eso cómo pensamos la creación hoy a partir de estas herramientas que están surgiendo y por último cómo pensamos la creación del futuro y creo que también hoy día es clave cómo los espacios culturales pueden aportar en las investigaciones y procesos artísticos de los futuros estrenos que vienen a lo largo de la pandemia creo que es importante tanto como repensar lo que se está haciendo hoy a partir de las creaciones ya hechas pensar una creación actual para el contexto de lo que está sucediendo y justamente aportar en las investigaciones porque lo que más podemos hacer hoy desde nuestras casas es justamente dedicarnos a esa investigación y empezar a generar instancia de procesos entonces creo que esas cosas son claves y que tenemos que también alcanzarlas, además de todo lo que es los públicos, la descentralización las herramientas, etcétera, creo que es importante sobre todo apoyar y sostener a los creadores nacionales internacionales Pucote y nave en particular hoy ha tenido que modificarme su programación, pero hay algo que te gustaría que pudiéramos enterarnos o destacar de lo que viene o lo que están haciendo principalmente lo que estamos haciendo es como repensar el formato de la residencia estamos trabajando mucho con residencias virtuales he empezado a generar ese juego de la residencia virtual haciendo un acompañamiento desde todo el equipo, desde la técnica la producción, la comunicación hemos estado trabajando otras lógicas de acompañar y también estamos generando instancias de procesos actuales pensando en estrenos futuros, estamos mucho en eso de cómo aportar precisamente al tema de investigación, en cuanto a la programación artística, estamos todavía un poco más en el archivo porque ha sido como parte del proceso de nave como nosotros tenemos mucho archivo de proceso y dedicarnos específicamente a abrir el universo del creador entonces estamos con una serie de entrevistas en nave TV donde entrevistamos a varios creadores a lo largo, bueno llévan 8 o 10 entrevistas en torno a cómo pensamos la creación y el enfoque ha sido más por ahí y hemos tenido muy buena recepción mucho público asistiendo a eso entonces es súper interesante en esta lógica de cómo acercamos el arte a la sociedad más allá del producto de la obra cómo pensamos en espacios de intercambio de conversación y sobre todo de procesos que creo que es clave y además bueno también una programación de lenguajes más cámara yo creo como trabajando mucho con la ANSI la cámara en el caso de nosotros eso principalmente lo de nave TV el link sería buenísimo para que lo podamos tener ahí a disposición de todos Luisa va a cerrar el encuentro yo personalmente quiero agradecer la instancia, la invitación, el diálogo estamos todos trabajando en descubrir esta nueva plataforma sobre todo también darnos cuenta que a pesar de la lejanía estamos más o menos en los mismos lugares tratando de descubrir qué es lo que está pasando saludo grande los hermanos bolivianos también que nos acompañaron y bueno de Brasil y todos los distintos lugares muchísimas gracias para todos, todas los que nos acompañaron y Luisa te doy el pase para que pueda cerrar el encuentro y muchas, sólo quería agradecerles a todos por estar, por quedarse y por aguantarnos la patudez también de quitarles más tiempo porque la instancia estaba programada hasta las 11.50 luego nos fuimos alargando pero creo que este formato también nos permite que que a veces nos vayamos alargando y que cada uno sienta la libertad también de irse cuando lo necesita porque sabemos que las agendas están complicadas y los tiempos no están fáciles pero a veces cuando esta conversación está tan interesante como la de hoy nos gusta poder continuarla un poco más así que muchas gracias a todos a todas las creadores y las creadoras que fueron parte del ciclo que atrovo hoy, no sólo por esta instancia sino por haber tomado el riesgo con nosotros de hacer todo este ciclo gracias a la caro Roa, la Silvia Rombaldi que son del equipo de programación a Héctor Montesino y a Fana Anania del equipo técnico que varios los mencionaron que lograron hacer estas lecturas dramatizadas y adaptarse a estos tiempos así que gracias a todos por este lindo ciclo que tuvimos emocionante también por un lado y gracias a todos los que se quedaron hasta el final de esta conversación nos vemos en la tarde a las cuatro con el panel de audiencias digitales en línea donde estará entre algunas cosas Pamela López con Gam contando sobre el estudio de públicos que mencionaron y después con Alex Sarian para hablar sobre las comunidades y como todos estos nuevos públicos van generando también una comunidad así que muchas gracias y nos vemos en la tarde gracias a todos a todas nos vemos gracias por quedarse y por la conversación que estén bien