 Hola a todos y todas, bienvenidos al último panel del día, en este cuarto día del sexto Encuentro de Programadores Nacionales Platea, organizado por Fundación TVI, en el marco del ciclo teatro hoy. Agradecemos a todos quienes están aquí hoy. Hemos tenido una jornada sin tensas. Perdón, Juan, parece que eres tú quien... Ahí están colando algunos ruidos, disculpen. Les damos la bienvenida a todos los que nos han acompañado y también a todos los que ya llevan varios días con nosotros porque este es el cuarto día de este encuentro, así que ya hemos tenido una serie de mesas de conversación, paneles muy interesantes y sabemos que han sido unas jornadas intensas, pero espero que muy provechosas para todos. Esta transmisión está saliendo también por el Facebook de Fundación Teatro A Mil, así que saludamos a la gente que se suma a este encuentro a través de Facebook y por streaming a través de HowRound.com, HowRound.com, nuestros socios en Estados Unidos que están impulsando esto en los programadores en el norteamérica. Bueno, le agradece. Este panel se llama Repensar el Espacio, ¿Cómo imaginamos los teatros del futuro? Queríamos dar una mirada desde la arquitectura para hemos visto todos distintas fotos, distintas maneras de imaginarnos cómo va a ser el regreso. Ya tenemos experiencias en Europa, en algunos países que están empezando con el desconfinamiento, así que queríamos aprovechar para pensar en este futuro proyectando el corto y el largo plazo, conversando tanto desde preguntas sobre el manejo operacional, la gestión, cómo deberá ser su diseño o construcción para nuevos proyectos y también cómo podremos adaptar algunos de los espacios que existen hoy. Este panel se realiza en alianza con Seattle Communication Group, era amigos nuestros y una alianza que tenemos en Estados Unidos, era parte de uno de sus encuentros, de un encuentro internacional que ellos estaban realizando y se vio suspendido gracias y justamente al martes negro que hubo en conmemoración, por respeto a George Floyd. Así que tuvimos la oportunidad de poder retomar este taller y hacerlo hoy aquí en el encuentro de programadores nacionales platea. Vamos a partir primero por Ricardo Cruz, un invitado nacional para que nos dé también un primer contexto. Ricardo Cruz es arquitecto y diseñador teatral y luego estaremos con Josh Dutch, de Feature Dutch Associates, una oficina de planificación y diseño de teatros en Nueva York y con John Fontilla de H3, un estudio también de diseño, arte y construcción de espacios culturales, quien estará presentando junto a Rodrigo Cuncille, también diseñador de proyectos de H3. Les cuento también que está María José Durán en esta transmisión que estará ayudando con la traducción consecutiva de Josh que va a ser en inglés, pero ella va a estar traduciendo para que no tenga problemas ya además Josh y John que hablan en inglés están recibiendo la traducción a través de un de un programa de texto con el que nos ayuda Hal Brant y Harry Thomas. Así que estamos todos tratando de estar lo más conectados en este nuevo escenario. Bueno me gustaría partir presentando a Ricardo Cruz, como les decía arquitecto y diseñador teatral, que ha ejercido la docencia en estas dos disciplinas y como arquitecto se ha dedicado especialmente al diseño, coordinación y ejecución de edificios institucionales y equipamientos para la cultura y las artes escénicas. Ricardo? Bueno voy a compartir la pantalla ahora. Quisiera, lo que yo quería presentar eran algunas imágenes para hablar desde un punto de vista general, un poco más amplio que la arquitectura, también desde las artes visuales y el diseño escénico. Y partiendo con una primera una primera imagen de la pérdida, lo que hemos perdido, toda la convivialidad, la cercanía, la experiencia compartida entre el público y los artistas que hacen lo más rico de las artes visuales, de las artes, perdón, de las artes escénicas y que naturalmente está muy lejos de todo lo que se nos indica respecto a la distancia social, lo que nos perdía. Hay adaptaciones y hay reflexiones respecto a esto, por ejemplo, lo que yo llamaría la distopía. Algunos artistas han planteado lo que podría ser un futuro de espectadores y público que no se pueden tocar con una especie de distancia casi profiláctica de hielo, del sello, o incluso un futuro donde no hubiera público, no hubieran humanos y los artistas solamente tocarán para esta naturaleza que retoma sus derechos. Estas son propuestas reales, la última es una propuesta del Teatro Eliseo, la abertura del Teatro Eliseo en esta estación. Pero ahora estamos en el mundo de la adaptación, cómo nos adaptamos. Todo lo que estamos haciendo ahora son adaptaciones y los colegas estadounidenses, por supuesto, están en un paso más adelante que nosotros. Las adaptaciones pueden ser desde la administración o de la gestión de los espacios, por ejemplo, separando y logrando afores más pequeños, aquí como casi como un tercio de la capacidad del Teatro, donde yo me pregunto cómo funciona allí la acústica y si no habrán otras soluciones más interesantes, como por ejemplo algunos fabricantes están ahora proponiendo fundas que cubren parte de la cutalca, de manera que la configuración y el aspecto de las salas no sean tan diferentes de lo que es habitualmente, o propuestas desde una nota humorística como este en los tercios del canal, en Madrid, que también supimieron dos tercios de la cutaca, pero teniendo la delicadesa de poner unos maniquíes que son todos diferentes, o sea, habrán 500 o 600 maniquíes diferentes. Y esto es una propuesta real para las actos del canal. Por otra parte, uno podría imaginar propuestas desde la creación, desde el diseño escénico en relación a la dramaturgia, es decir, siempre los artistas de vanguardia han propuesto una nueva forma de relación entre público y artistas. Por ejemplo, una relación como Goyerista, aquí tomo el ejemplo de Grotowski y discúlpenme la imagen, que no es muy buena, pero donde los espectadores podrían estar como Goyer mirando distanciadamente por encima del espectáculo. Esto lo roteó más cerca de nuestro, en el 2011, el diseñador chileno Eduardo Jiménez en un espectáculo sobre Maldedicturás, donde propone que los espectadores se pongan en una galería y miren este espectáculo, suscribido naturalmente por la dramaturgia del espectáculo desde arriba, y con un resultado bastante impactante en el control y bastante efectivo. Pero uno podría, de esa manera, imaginar muchas otras maneras como los artistas tomarían estas imitaciones para construir una narrativa a partir de la dramaturgia. Por último, este que encontré en Teatro a Pivalta, italiano, donde nos cuentan la historia de cenicienta, chanerento, a modo de peep show, es decir, hay 16 cabinas para espectadores, para hacer los espectadores completamente separadas entre sí, y esta chica cenicienta cuenta su historia y aspira como hacer redimía socialmente o rescatada de asencierro por alguno de estos espectadores. Y alguno de los detalles es que ella tiene además que cenitizar y infectar este espacio sucesivamente a lo largo de la representación. Bueno, todas son propuestas bien inquietantes desde el diseño escénico. ¿Cómo podríamos que los arquitectos proponiera algo desde la arquitectura? Para eso quisiera referirme un poco al presente de la situación en Chile para dar un contexto a los colegas estadounidenses y ver, también, poder ya lo ver con ellos respecto a eso. Los últimos 30 años, Chile tiene la particularidad de que los últimos 30 años han construido una cantidad enorme de espacios, una cantidad muy grande, y esto lo saquiere de un catálogo del minijero de la escultura, donde ustedes ven la cantidad de teatros, 160 tantos, de centros culturales que son muchos más, y los teatros como más equipados y abajo, que además son los que tienen una mayor capacidad. Y se ve, por supuesto, que esto se concentran, a Rodrigo no le va a parecer nada raro, prioritariamente en el Tercio Central del país y muy prioritariamente en la ciudad de Santiago. Así que también habría llegado una especie de curva que deberíamos aplanar, esta primacía enorme de la capital. Bien, hay que decir que hay muchos, por lo tanto, centros culturales y teatros que han construido los últimos años, y que son relativamente nuevos, y que se podrían dar la cuerda a las necesidades que existan. Por ejemplo, yo quiero destacar también la diversidad territorial y climática del país, y estos dos centros culturales, uno se encuentra en el extremo norte, en el desierto, al topicio, y el otro en el centro sur. Y ambos tienen estas especies como despacios intermedios que protegen de la incrementa del sol en un caso, de la lluvia en otros, pero también permiten que todo lo que ocurre, creo yo, en torno a la manifestación artística cultural misma, sea más fácil de realizar. Es decir, yo creo que este tipo de lugares van a ser más resilientes, va a haber una mayor resiliencia en relación a las necesidades futuras. ¿Qué otras cosas deberíamos hacer los arquitectos? Aquí hay una lista de ellas, que por supuesto cada una en un capítulo completo, que no lo voy a detallar acá. Seguramente no hay normas sanitarias, no hay normas de seguridad, por ejemplo, ¿qué medidas todos esos espacios que les mostré tienen un equipamiento mecánico adecuado? Capacidad audiovisuales para el registro y la difusión que son muy importantes ahora, todos estamos creando, todos se están creando nuevos contenidos y poniendo nuevos contenidos, bueno, pero hay que tener la capacidad instalada para poder hacerlo ahora y para hacer, poder hacerlo en el futuro. Y luego espacios, la diversidad de espacios, que son más lugares de trabajo colaborativo, más espacios de ensayo probablemente, de los cuales carecemos. Finalmente creo yo que estamos bastante al bebé en cuanto a sustentabilidad medioambiental, porque esto se hicieron hace 80 años y necesitan ser actualizados en eso y quisiera preguntarle a los colegas estadounidenses qué avances tienen ellos en ese aspecto, porque he visto que hay algunos proyectos de ustedes interesantes desde ese punto de vista, desde los punto de vista medioambiental. Y finalmente agregaría yo que a mí me importa bastante la configuración o tipología de la saga, es decir, muchas de las salas construidas en los últimos 30 años son frontales, por muchas razones que no vamos a discutirlas ahora, pero son frontales de decir hay una relación estricta, muy directa entre espectadores por un lado y artistas por el otro lado, privándonos de interrogar o de imaginar otras posibilidades y recorriendo, por ejemplo, otras tipologías como podrían ser estas maravillosas propuestas brasileñas de la arquitectarina Govarni, por ejemplo mi teatro Arena, con doble gradería que a la vez se puede dividir en dos salas normales, vamos a decir. Y el teatro Oficina, que es este teatro calle a la vez lineal y vertical, que se adapta mucho al tipo de dramaturgia inmersiva que le explica ese teatro. Bueno, pero todo esto es muy importante decir que los mejores teatros y las mejores salas que se construyen se hacen en construcción, entre todos esos intervinientes, es decir, un cliente, ya sea público o privado, artistas o un proyecto artístico, arquitectos y técnicos y todos tienen que dialogar y conversar para una propuesta que se adapte a lo que la sociedad requiere en ese momento. Y finalmente terminar diciendo o haciendo como un homenaje a lo que va a hacer la reactivación en base probablemente a pequeños espectáculos que allí hicieron. Y con mucha fuerza de las compañías que son como la forma más primigenia y más potente del teatro. Muchas gracias Ricardo, muchas gracias por esa presentación. Interesante ahí lo que podrá decir HP, que entiendo que también tienen experiencia en como en activación de espacio público, ya no podrán contar si me equivoco en eso. Voy a presentar ahora a Josh Dash, director de Fisher Dash Associates, una de las más reconocidas consultoras de planificación y diseño de teatros en Nueva York, quien ha diseñado teatros, espacios de concierto, casas de ópera, teatros de Broadway, diversos centros de artes escénicas y estudios de teatro alrededor del mundo. Josh hará su presentación en inglés, pero va a estar haciendo ciertas pausas para que María José pueda ir traduciendo al español para quienes lo necesitan. Disculpen primero que no habla español. La traducción de mi presentación está hecha en Google así que espero que esté correcta. Y bueno, me parece muy interesante que la traducción de mi presentación está hecha en Google, así que espero que esté correcta. Y bueno, me parece muy interesante que la traducción de mi presentación está hecha en Google así que espero que esté correcta. Y bueno, a partir diciendo que estos meses de distancia no hacen más que recordarnos lo mucho que nos gusta estar juntos. Todas estas expresiones como los conciertos que los artistas están haciendo en sus living solamente son demostraciones de que siempre nos vamos a querer estar juntos. So gathering together to share stories and ideas is a really basic human need and live theaters where many of us prefer to do that. As the covid crisis has descended on us, that's no longer safe to do. As Ricardo showed recently in Barcelona there was a concert for 2000 plants, which may be the greatest work of art to emerge out of the covid crisis. For a while we thought that washing our hands was going to keep us safe, but since then we've learned what an important role, what an important role fair movement plays. There's a well documented case of a woman that went to dinner with some friends in January and within about 12 days, nine others sitting at her table and sitting at other tables that were in the path of an air conditioner flow all came down with the virus. Air flow plays a huge role in transmission. Por un tiempo pensamos que lavarnos las manos era lo que nos iba a mantener siempre seguros pero luego descubrimos que la transmisión por aire termina siendo una de las más importantes. Por ejemplo hay un caso muy bien documentado de una mujer que fue a cenar con amigos y nueve días después de la cena las personas que estaban con ella en la cena también terminaron transmitiéndose el virus al estar en un lugar donde pasaba el aire acondicionado, entonces la transmisión por aire es algo que había que considerar. También sabemos que el tiempo pasa. La cantidad de tiempo que estás expuesto a los droplos determina si te has adquirido suffocados para causar una infección o no y por eso algunas personas planifican shorter performances, tal vez una hora con ninguna transmisión para limitar la exposición de la gente. Lo otro que también sabemos es que el tiempo importa no solamente el aire entonces el tiempo en que tú te expones a las gotas que pueden ser están dando vuelta en el aire por tanto muchas personas también empezaron a preguntarse sobre la duración de las éxtilos de las obras y no más de una hora o quizás menos. Distance is a part of the story too when you exhale viral particles the heavier ones fall to the ground fairly quickly and most fall to the ground within two meters they say. So creating a distance of at least two meters between people can help but as I've said patterns of air movement and humidity and temperature and the size of the space that you're in make this a very complicated situation. Y el otro factor sería la distancia porque al exhalar también repartes partículas de alguna forma y las partículas más grandes luego caer inmediatamente al suelo pero las partículas más pequeñas se quedan en el aire y pueden alcanzar hasta dos metros a otra persona por lo tanto hay que considerar esa distancia y cuáles son los patrones que podemos poner para respetar eso pero sin duda es un desafío. So this is obviously a problem for bringing people together in the way that we're used to doing it. Entonces definitivamente es un problema para juntar a la gente de la forma en que lo hacíamos antes. Building codes which have been developed in most countries over literally centuries if not decades we're really in the very beginning of thinking about how to distance people from each other and when you speak to more than one medical professional they give you different recommendations. Como mostró Ricardo antes varios espacios están ya preguntándose cómo reducir el aforo para mantener estas estas indicaciones que hablaba antes pero hay reglas que como se aplican esas reglas van a afectar también la cantidad de personas y hay códigos de construcción que ya llevan trabajando se hace siglos o décadas en los que eso ya de alguna manera se estaba considerando y si uno habla con diferentes personales médicos las recomendaciones van a ser variadas. Esto por ejemplo es un mapa estándar de los asientos de un teatro de la foro donde hay más o menos 700 personas. Si miran en la primera imagen de la esquina de la esquina superior se logran ver con los puntos la diferencia que se hace es manteniendo esta distancia de dos metros por ejemplo dos metros del pasillo dos metros desde otro asiento y eso genera una una disminución de la foro de los 700 que habíamos dicho se disminuye casi hasta un cuatro por ciento. Pero en la dirección superior si te permite, si te imagino que las personas van a venir con grupos de familia que tal vez han sido isolados juntos y te hacen un arrojamiento de ciencias, ciencias y grupos de cuatro y aplican las mismas reglas, puedes aumentar la capacidad a alrededor de 9 por ciento. Si te mueves el esquino en la lefta de abajo donde dirán a la gente que va a dejar que la gente vámono right next to the isle en la teoría de que la gente va a ir relativamente rápido en el isle y reducir la velocidad de la fuerza y la energía. Pero si te metes en el esquino de la lefta de abajo te dirás que no tienes que pasar con los puntos de la esquina superior. y para que la gente sede right next to the aisle on the theory that people will walk relatively quickly in the aisle and reduce the risk of being infected by the seated person on the aisle and vice versa. Then you can increase the capacity still further to about 14%. Y en la esquina izquierda inferior están considerando por ejemplo que las personas ya, ok, se pueden sentar en el pasillo asumiendo que las personas van a caminar rápido y así evitan el contacto con la persona que está sentada. Con este mapa se podría considerar un aumento de la foro hasta un 14%. Y si en la izquierda right decidiste que es ok pasar detrás de la persona más cerca de 2 metros entonces podrías empezar a añadir seat en el medio de la auditoria, en el medio de las ruedas y lograr un aumento en la capacidad de 16%. Y en la última estamos considerando que la gente pueda caminar por detrás de las personas que están sentadas, entonces eso permitiría sumar más asientos y podría haber un aumento de hasta el 16%. Entonces, puedes ver que el nivel de riesgo está relacionado con el número de seat que tienes. Si estás deseando aceptar más risgo then you can achieve more seats. But even then, the capacity is very, very low. Entonces finalmente, el grado de riesgo va a estar relacionado con el número de asientos. Entonces va a depender qué tanto riesgo quieres tomar, cuántos más asientos vas a poder tener, pero sin duda la capacidad sigue siendo muy pequeña. But if you have a flexible space, then you get to start from scratch. Earlier this week, I do a lot of design up at the Park Avenue Armory in New York, and I was up there experimenting with a choreographer and we were trying to come up with a socially distanced seating layout that would allow him and his dancers to move through the space in interesting ways. And we were trying to find the right balance between seat grouping and dancer movement and trying to grapple with all of these issues for which there are not any clear guidelines. Pero entonces si el espacio es flexible, por ejemplo, usted puede partir desde cero. Yo trabajo, yo trabaja en Park Avenue. Ya hace poco estaba experimentando en New York, ya hace poco estaba experimentando con un choreógrafo, un especie de diseño que mantuviera este distanciamiento social para la gente que podía ver este espectáculo de coreografía. Y eran entre que la gente se movía, entre que habían asiento, en que habían grupos, etc. Y sin duda, todo eso afecta, estaban viendo cómo lo podían hacer. So, social distancing is not just for the audience, of course. We have to worry about the performers also and the crew. So, we have to keep the audience a safe distance from the performers and we have to keep the performers a safe distance from each other and from the crew. And what does that mean? Does that mean a lot of solo performances? Entonces el distanciamiento social no solamente es para el público, también hay que considerar a los artistas y al equipo técnico. También tenemos que mantener no solamente a la audiencia distancia del artista, sino también a la artista de la audiencia. Y entonces, ¿eso qué significa? Es mucho más difícil... Oh, sorry. ¿Significa obras donde hay solo una persona? Sorry. Es mucho más difícil con grandes ensemble, obviamente. La gente que produce orquestra-concertes o ballet o opera tienen un tiempo muy difícil, porque la naturaleza de esos instrumentos y los cantantes son muy difíciles. Es siempre más difícil con equipos que tienen más gente, como las orquestas o como el ballet. Para ellos son tiempos muy desafiantes, porque la naturaleza de esa expresión requiere más gente y eso es un desafío. ¿Es posible para las personas a cantar y bailar juntos en un mundo de COVID-19? Las reuniones de los performers están intentando saberlo, en realidad, y ahora, y obviamente, los teatros y los manejadores. Es posible... cantar y bailar juntos en estos tiempos de COVID-19? Hoy, la gente de los sindicatos de teatro y los administradores de teatro están tratando de cifrar eso. Pero, assuming that you can work out all of the physical parameters, does it still make sense artistically? Does it still serve the work? Some artists, like Oscar Eustis, the artistic director of the Public Theater in New York, have said that until two actors can come out on stage and kiss each other safely, you can't imagine why he would do shows. Other companies have started producing seasons of solo works, so every artist, every company is going to have a different personal response to this crisis. Asumiendo que se logra generar estos parámetros para que sucede al teatro. ¿Sirve artísticamente? ¿Sirve para el trabajo en sí? Hay, por ejemplo, el caso del director del Public Theater, que dice el comentar que hasta que dos actores puedan estar en el escenario y besarse, no tiene, quizás, mucho sentido hacer shows. Pero hay otras compañías que sí están pensando cómo hacerlo. Pero, por lo tanto, hemos trabajado con nuestros clientes y con nuestros colaboradores en nuevas teatras y renovaciones que ya estamos en progreso antes de que el crisis se pierda, y estamos todos intentando figurear lo que hacer sobre esto. Hemos trabajado en un número de proyectos con H3, y voy a poner el mic, como decirlo, a H3 para hablar un poco más de esto, desde el publico. Estábamos trabajando ya en proyectos de teatros nuevos y teatros que estaban en progreso, y estamos con H3, H3, que es la firma para la que yo trabaja, con la que yo trabaja. ¿Cómo hacerlo? Considerando esos proyectos, ¿cómo lo hacemos? Entonces, ahora vamos a mostrar unas imágenes sobre cómo lo están realizando. Vamos a continuar. Me escuchan. Roderigo, presento primero o seguimos continuados, porque no lo conseguimos. No, presenta, presenta. Sí, quería contarles un poco. Muchas gracias, Josh, por esta presentación. A veces despedeces para anzador, pero creo que juntos vamos a ir encontrando las soluciones para cantar y bailar juntos en estos tiempos de COVID. Además, me reí a deber la foto del concierto de Liceu con las plantas, que no deja de recordar a estado vegetal. Y, bueno, después podremos seguir comentando, porque ahora va a presentar la firma que trabaja junto con Josh, que es H3, está con nosotros, John Fontilla, director, John Fontillas, director de H3, que es una comunidad colaborativa de profesionales dedicada a la construcción de teatros y espacios culturales, un estudio de diseño ubicado en Nueva York, donde desarrollan proyectos de planificación y diseño de teatro, espacios de artes escénicas y activación del espacio público. Va a presentar Roderigo Consille, diseñador de proyectos de H3, que da las coincidencias, es chileno y en Santiago, y ha trabajado en distintos proyectos de teatro, incluyendo un centro de aforo de 3.000 butacas en finnsboro, espacios de música, de más de 2.000 butacas en Brooklyn, entre otros, y trabaja ahora en Nueva York con John. ¿Roderigo? Bueno, primero que todo, agradecer a Josh, de Fischer DAX, y a los organizadores por invitarme a participar de esta conferencia. Mi nombre es Roderigo y yo soy parte del equipo arquitecto de H3, y estoy presentando junto a John Fontillas, que es uno de los paneles de la firma, estamos acá en Nueva York. Una pequeña introducción sobre nuestra firma, nosotros nos especializamos en el diseño de teatros y performing art centers, y espacios culturales, y hace aproximadamente 3 años nos fusionamos con Arquitectónica, que es una firma internacional muy reconocida en Miami. En términos del diseño y la tecnología, hoy por hoy cuando diseñamos teatros, utilizamos nuevas tecnologías como la realidad virtual para que tanto nosotros como nuestros clientes podamos visualizar cómo serán los espacios. A la derecha se muestra una imagen de un proyecto de Fischer DAX en colaboración con nosotros, donde el cliente está viendo a través de un visor de realidad virtual cómo hacer el auditorio principal. Esto nos ayuda a determinar temas como van a ser las líneas de visión, qué tan grandes debe ser el proscenio, o sea, que los asientos al final en la última fila tienen buena visibilidad. El uso de estas tecnologías está cambiando lo que es posible hacer en términos del espacio físico de los teatros, y nos damos cuenta que cuando incorporamos estas herramientas desde las primeras etapas del diseño, el arte de un teatro puede cambiar drásticamente. Next. En Brooklyn Academy of Music, también conocido como BAM, yo me lio, el director artístico nos pidió que diseñáramos un espacio pequeño pero flexible que fomentara el desarrollo de nuevas obras. Ya que los teatros de BAM eran demasiado grandes para promover este nuevo tipo de obras que no atraían tanta gente. Opera BAM tiene aproximadamente 1.500 asientos, BAM Harvey tenía 1.200, lo que hacía muy difícil la cuesta en marcha de nuevos proyectos utilizando estos escenarios tan grandes. Y como BAM no tenía un espacio que fuera flexible y a la vez rentable, en el que fuera capaz de utilizar tecnologías digitales, por ejemplo, o nuevas puestas en escena, nos encargaron de diseñar este nuevo teatro. Next slide. En respuesta a eso, en el fondo diseñamos BAM Fisher, que es la transformación de un edificio que pertenecía al ejército de salvación, el cual lo convertimos en un espacio multifuncional, de aproximadamente 3.200 metros cuadrados, el que cuenta con un teatro tipo Black Box, salas de ensayo, espacios de oficina, un archivo para una biblioteca y una terraza en la soteada. Next. Este es una foto del teatro principal. De BAM Fisher, y tiene una capacidad para 250 personas. Es completamente flexible, tiene una reja técnica que permite que las luces, la escenografía e incluso los ductos mecánicos se reconfiguren dependiendo de cada actuación. También, integrable a la estructura, hay una red de datos de alta capacidad que fue diseñada para grabar las actuaciones en plataformas digitales. Y además, este teatro tiene la capacidad de transmitir actuaciones en vivo a través de una red central de fibra óptica y también cuenta con conexiones satelitales. Next. Aquí hay una pequeña muestra de algunos de los shows que han utilizado nuevas tecnologías y escenografías innovadoras que se han presentado durante el último tiempo en BAM Fisher. Y algo muy interesante es que los espectadores nunca están sentados en fila como en los teatros convencionales y cada actuación ofrece una relación completamente distinta entre el artista y la audiencia. Next. Sobre la contingencia y el coronavirus. Durante los últimos meses todos hemos aprendido mucho acerca del virus y su capacidad de transmisión a través del aire. Como bien decía Josh, al principio no pensaba que lavarse las manos iba a ser suficiente, pero la transmisión del virus a través del aire se relaciona directamente con las medidas de mitigación que nosotros podamos tomar para controlar la calidad al interior de los espacios. Como hemos visto a Navío Brotes y transmisión del virus cuando un gran número de personas respira el mismo aire, por lo que la calidad del aire dentro de los teatros se convierte en un factor de denominante. La forma más rápida para combatir el virus transmitido a través de las partículas de aire es aumentar el flujo de aire fresco dentro de los espacios, ya que reduciendo la concentración de partículas en el aire disminuye la probabilidad de contagio. Next. En el teatro Alice Bash, en Cochrestown, que fue diseñado para el Festival Glimmerglass, el aire fresco y la relación con la naturaleza fueron dos de los factores más importantes durante el proceso isenum. Este teatro está rodeado por un paisaje muy bonito de la región de Finger Lakes, al norte de Nueva York, y se encuentra junto al lago Otzergold, también conocido como lago Glimmerglass. Next. Este teatro se ha convertido en un polo de atracción para los amantes del teatro musical, la obra, del área anoresta de Estados Unidos, Boston, New York y Montreal. Next. Por ejemplo, hacer un picnic en los jardines aledaños antes de ir a ver un show se ha convertido también en parte de la experiencia de visitar el centro cultural. Next. Al interior del teatro, y esto no es algo muy convencional, las paredes son grandes ventanas abiertas que se pueden deslizar y que dejan entrar el aire fresco y la luz. Durante los espectáculos se puede incluso escuchar como el zumbido de las luciernas o ocasionalmente el sonido de pájaros. Lo que genera una condición bien particular porque te pones bastante en contacto con la naturaleza y es una situación que también se convierte un poco como parte de la experiencia de las producciones teatrales que tú vas a ver y creemos que a medida que avanza esta crisis sanitaria, la interacción entre el teatro y el medio ambiente van a ser extremadamente importantes. Next. Junto a Fisher Ducks, en H3 estamos diseñando actualmente un teatro, un nuevo teatro por una compañía reciente en Naples, en Florida. El cliente es la compañía de teatro Wolfshire Playhouse, quien nos pidió que consideráramos todos estos problemas relacionados con el COVID-19 desde las primeras etapas de disenio. La conexión con el paisaje, la superficie de antibacterias y la mayor ventilación son algunas de las características que incorporamos al inicio del diseño. Y aunque obviamente todo esperamos que cuando sin apure este teatro, el 2023, la crisis del corona haya terminado, son características del diseño que ya fueron incorporadas en este nuevo teatro. Next. En el área pública del teatro, lo que acá llamamos Front of House, Wolfshire nos pidió analizar las interacciones y los flujos para evitar el contacto contra los asistentes y disminuir las rutas de transmisión. Para esto estamos incorporando el uso de dispositivos electrónicos para, por ejemplo, leer los tickets o pagar los servicios de comida para pagar en las boleterías, etcétera. Next. También estamos especificando sensores automáticos en la grifería de agua, en los dispensadores de jabón. Next. Y a pedirle al cliente en vez de, por ejemplo, usar secadores de manos que funcionan a través de aire, lo que aumenta la capacidad de esparcir partículas en el ambiente, estamos especificando secadores con toallas de papel. Next. Para otros de nuestros clientes, lo que puede ser más influyente en todo esto es un cambio cultural. Y en esta foto, por ejemplo, se muestra una señalética que Disney está colocando en todas sus instalaciones de baños públicos, recordando a las personas, los medios más efectivos para prevenir la transmisión, lo que eventualmente podría ser el mejor curso de acción para limitar el alcance del virus. Next. Sobre la salud física y mental, mantener la salud física y mental de las compañías de teatro es igualmente importante. Por ejemplo, en esta foto se muestra un estudio de práctica de la ópera de Santa Fe, que tiene una ventana para mirar el paisaje mientras ensayas y así tranquilizar la mente y estar en contacto con la naturaleza. Next. Creemos que la arquitectura activa también es otra forma de fomentar la salud física. En esta foto, esta es una foto de Theater for New Audience, que también es un teatro que diseñamos en H3 en Brooklyn, donde la audiencia usa las escaleras principales para ingresar al segundo piso, en vez de utilizar las sensores, por ejemplo. Y es interesante que cuando se combinan las señaléticas del teatro con la imagen corporativa del teatro, más los letreros de recorcinamiento de los donantes, por ejemplo, se puede ayudar a orientar a las personas dentro del teatro, reforzando el compromiso y las conexiones culturales. Next. O, por ejemplo, fomentar el uso de la bicicleta en vez de el automóvil. Quizá en Santiago esto es un poco más difícil, porque la ciudad es muy abierta y las distancias son mayores que acá, pero, por ejemplo, en BAM le encargaron al cantante David Rain que diseñara este estacionamiento para bicicletas, junto a la entrada principal del ópera BAM, y así fomentar en el fondo del uso de la bicicleta, la salud y el buen estado físico. Next. Por último, la elección de los alimentos saludables también es un factor importante a considerar. Tantos The Other For A New Audience como Lincoln Center cambiaron sus menús de comida y bebida promoviendo opciones de alimentos saludables, y lo mismo con los episodios de catering específicos para las compañías de teatro. Next. Y ahora, llamó a esciere, bueno, decir que por más de 30 años Fisher Ducks y H3s han estado trabajando juntos en muchos de los teatros más prestigiosos de Nueva York, como por ejemplo este teatro en el Lincoln Center, y durante todo este tiempo han ocurrido varios desastres como guerras, huracanes, recesiones, agitación política, similar a lo que estamos viendo ahora, y el teatro siempre ha continuado y siempre ha sido fundamental para darle sentido a esas historias. Por lo tanto, la magia del teatro que existe en el fondo en el compartir experiencias colectivas, es una necesidad humana primordial que siempre ha estado y siempre ha estado. Y sabemos que el virus y la crisis van a terminar y cuando esto suceda estamos seguros de que volveremos a hacer espacios para que tanto los artistas y las audiencias puedan volver a remunirse. Eso sería. Muchas gracias, Rodrigo. Muchas gracias, John, por pasar las diapositivas. No, por haber preparado esta presentación. Creo que me parecen ideas interesantes como cuál va a ser la posibilidad del uso de espacios al exterior de los teatros, del uso de los follers. Así que me gustaría hacerles algunas preguntas. Nos queda poquito tiempo, pero a ver si podemos aprovechar. Aquí se me perdieron algunas preguntas. No sé si Ricardo, tú quisieras partir con alguna pregunta al panel. Creo que es una pregunta más general y me gustaría que los colegas estadounidenses detallen un poco más algunas estrategias medioambientales que a mí me parecen fundamentales en el diseño de nuevos espacios porque está todo ligado en la ventilación. Si mejorar los estándares de ventilación está ligado con mejorar la envolvente, la piel de los edificios, por ejemplo. Y todo esto está relacionado con su energía que en general en los teatros, por lo menos en Chile, es alto. ¿Qué pasa ahí con la iluminación? ¿Cómo lo ven ellos? Sí, y se relaciona también con una pregunta que nos hacía Ale de Teatro del Ingenio que me preguntaba por una mirada distinta del espacio más amable también con el ambiente, con los habitantes y la identidad local. Hay que quizás tomar otras conexiones. No sé qué si Josh o Rodrigo quisieran comentar algo al respecto. O John también puede sumarte y Cotea hacer la traducción. ¿Cómo diseñamos espacios también más amables con el medio ambiente? Cotea y Cotea. ¿Estás considerando cualquier concepto de sustanabilidad o de eficiencia o algo de todo? ¿Tu mic está mutado, Josh? Yo iba a decir que hemos estado mirando la sustanabilidad y la arquitectura por un par de décadas. Hay un nuevo movimiento que creo que John debería hablar de que es generalmente llamada la idea de las construcciones y el diseño de las construcciones para la salud y esto predata la crisis de COVID pero claramente se ha convertido en más importante. ¿Quieres hablar de eso, John? Claro, la sustentabilidad es algo que se ha hablado por décadas en la arquitectura y quizás es John quién puede referirse un poco más a eso, este concepto del well-building que es cómo construir en pos del bienestar de la gente. Quizás John, tú puedes contarnos un poco más de eso. El well-building estándar va más allá de lo que hemos estado mirando en términos de sustanabilidad para tener un más grande visión contra la salud, tanto físico, como mental y trae cosas que Rodrigo ha mostrado en términos de comida, seguridad, supply. La idea de que el ambiente en el teatro es muy importante y debería ser mirada como un entorno como parte de la sociedad. Claro, el estándar del well-building implica tener una vista más amplia sobre la salud mental y física de las personas y como Rodrigo mostró en la presentación tiene que ver con esto que hablábamos de pensar también en la comida, en el suministro de la comida, la seguridad y también pensar en el ambiente, que el ambiente del teatro es muy importante y debe estar considerado en la construcción. ¿Todo lo que trabajamos en el teatro entendemos y sabemos que cuando estamos en el teatro nosotros creamos un ambiente que es diferente al ambiente externo. Buscamos en la oscuridad, buscamos esta imagen del teatro que es diferente al mundo, al mundo externo, digamos. Pero con esta crisis, quizás debemos considerar que el ambiente externo es lo más importante y lo más importante con esta crisis, quizás debemos considerar este afuera, quizás debemos considerar menos aislamiento del teatro y más relación con este mundo. Hay que considerar también que los teatros como también decía Ricardo, ocupan mucha energía. Los teatros necesitan iluminación, temperatura para la audiencia, etcétera. Son edificios que realmente no son sustentables, a menos que pensemos formas para permitir, por ejemplo, como ellos mismos, John y Rodrigo decían, la circulación del aire es lo más importante y lo más importante es que no podemos seguir adelante sin reconocer que este espacio es distinto y que... ¿Cómo decirlo? Que es distinto y que necesita re-pensarse de alguna manera. Yo voy a decir que creo que John es un excelente punto, que es lo más importante y que es lo más importante y que es lo más importante y, y, hemos hablado mucho de teatros muy convencionales con los sistemas de indoor pero, recuerda el Teatro Glob, el Teatro Spanish Courtyard hay muchos ejámenes de teatros que son luces que consisten de nada más que un patrón descanso en una estación de casa o un prisión con un espacio que ya exista y que no tiene un carácter arquitecto especial sobre eso. Y eso también es un teatro y, a veces, más poderoso. Como yo también decía, estamos pensando en teatros en indoor, o sea, teatros cerrados, espacios cerrados, pero también podemos pensar en ejemplos como el Globe, que es en Londres, o teatros españoles, donde finalmente la arquitectura es diferente, unas veces consisten en simplemente poner un alfombro en algún lugar y eso es un escenario, puede ser un refugio, puede ser una prisión, pueden ser diferentes lugares donde ocurre el teatro y se le lleva el teatro a la gente y no necesitan o no tienen un espacio arquitectónico particular y eso también es teatro y hay muchas veces es teatro más poderoso incluso. Muchas, muchas gracias. Quería, me quedan dos preguntas, así que me voy a tomar unos minutitos adicionales. Quería darle la palabra a Álvaro Cruz. Voy a hacer una cosa que no suelo hacer, que es como permitir hablar, así que si no me funcionan, me dicen. Álvaro, Álvaro está, ¿me escuchas? Sí. ¿Puedes hacer tu pregunta que te veía con la mano levantada? No, no, nada, simplemente escuchan. Yo quería probar cómo funcionaba, así que... Bueno, sí quería terminar con una pregunta importante que hacen aquí. Si puede diera, es una pregunta abierta para cualquiera que quiera responder. ¿Alguna recomendación para espacios que tienen menor capacidad de financiamiento también? Porque algunos preguntan, ¿qué pasa si no tenemos posibilidad de realizar cambios en la infraestructura? O Estrella de Chillán, por ejemplo, que dice, nuestro teatro tiene tres niveles, 1200 butacas de capacidad, pero no podemos sacar butacas, solo bloquearlas. Por lo tanto, eso afectará nuestros ingresos. Y si hay protocolos más amigables para infraestructuras que no cuentan con tantos recursos como para hacer una intervención. Y en ese mismo sentido, ¿qué piensan de las medidas de sanitización de espacios que no interfieren en la arquitectura, sino que tienen sistemas de sanitización por función o fumigación, o también nos comentan en el chat sobre mediante luz, UVC. Yo no sé cómo se traducirá eso, Rodrigo, quizás tú conoces. Ultravioleta. Sí, perfecto. Cote. Sí. Pueden preguntar si tienen recomendaciones para espacios que tienen menos fundación, menos recursos, o lugares que no pueden producir cambios en la arquitectura o la acción, o las entrancias o cosas como eso. Y si también tienen any thoughts on the sanitation measures, the sanitation processes that are being recommended for this crisis. Mike is muted, Josh. Normally when I hit the space bar releases, but I guess I was on the translation screen, so it didn't. I was going to say that people have to get down to basics and try to understand what it is they're trying to do. You know, health is important, and the health of the community is important, and behaving in a responsible and safe way is important. At the same time, actors are unemployed and crew is unemployed, and so many people are having a tough time. It's very hard to find that right balance, and as I said, some artists like Oscar at the Public Theater have decided not to do shows, but to support his employees and the artistic community in other ways. I think other companies are leaving behind the traditional way of doing things and trying to figure out other things that work. Some are going online, as you've seen. Some are going outside. Which is a little bit safer. I think both are possible. Going outside is probably the least expensive thing that you can do, and potentially one of the safest, if people behave responsibly in your country, which they don't in my country. Ok. Tanto. Lo que George dice es que las personas deben volver a pensar en lo básico, volver a lo básico y entender qué es lo que están haciendo. La salud es importante, la salud de la comunidad es importante, pero también al mismo tiempo los actores y los equipos técnicos están desempleados y es difícil encontrar ese balance, es muy difícil. ejemplos como artistas, como los del Public Theater, como mencionaba antes, que han decidido simplemente no hacer shows y apoyar a sus artistas y técnicos de otra manera. Y hay otros artistas que han dejado atrás la tradición y han buscado otros espacios para seguir produciendo como lo saben el espacio online o como son los espacios afuera, outdoors, que pueden ser quizás más seguros. Ambas son posibilidades, son posibles. Quizás el utilizar el espacio de afuera es lo más económico, lo más alcanzable. Y entendiendo también que hay que tener aspectos de seguridad en ese sentido y va a depender de cómo la gente se comporta estando afuera. Y él bromea luego diciendo que en Estados Unidos la gente no se está portando muy bien al estar afuera. Entonces hay que considerar eso también. ¿Puedo justo? Just quickly add, we've also been finding out the issue with audiences themselves that many theater companies are worried that they will need to do a lot of work to their theaters just to bring audiences back so they feel safe. And that's really the key issue. How do you get your audiences and your donors, to want to come back and be in the same room? And the difficulty in that is it may just take time for that to happen. Broadway is not looking at coming back until next year. Many of the theaters that we work with are not looking at doing your production until 2021. And the time will tell, but the reality is that people need to feel safe to be able to come back in and sit next to one another, which is that's the biggest problem. John comenta que también el problema es, identificaron también el problema con las audiencias. O sea, todos también están los teatros, también están preocupados de que el público se sienta seguro. ¿Cómo conseguimos que luego de todo esto, cuál es el trabajo que van a tener que hacer que las audiencias logren sentirse seguras de estar en la misma sala? No solamente las audiencias, sino también las personas que, en este caso, en Estados Unidos que donan a los teatros, ¿cómo pueden hacerlo sentir todos seguros de estar en la misma sala? Solamente el tiempo va a decir, solamente el tiempo va a dar esa calma. Por ejemplo, hay ejemplos como en Broadway que han decidido simplemente no hacer producciones hasta el próximo año u otras compañías que ya están pensando finales del 2021, porque el tiempo dirá, hay que sentirse seguro para estar en la misma sala y ese es uno de los problemas también hoy. Ricardo, tú querías comentar algo? Sí, rápidamente. Yo entiendo que para el teatro de Chiyán por su configuración sea difícil realizar espectáculos del aire libre en el entorno del teatro. Obviamente tendría que ver, tendrían que descentralizarse de alguna manera. Y tampoco creo que haya recetas mágicas, pero sí lo importante es que haya un plan. Es decir, que se piense hacia dónde se quiere ir y tener un plan preparado para cuando sea el momento de solicitar recursos públicos o recursos privados o donaciones, etcétera. Y para eso, de nuevo, creo que es súper importante la función entre el cliente, la persona, la entidad que financia, el proyecto artístico y los técnicos, los arquitectos que somos nosotros, pero juntos. Muchas, muchas gracias, Ricardo. Muchas gracias a nuestros panelistas, a Josh, John, Rodrigo, por acompañarnos hoy. Me parece muy interesante también cómo, porque una de las respuestas que escuchamos también es la posibilidad de hacer nuestros espacios más permeables y también ver cómo aprovechamos el espacio público, los espacios al exterior de los teatros o algunos otros espacios al aire libre en la ciudad. Pero también desde la producción sabemos que a veces esos espectáculos son los más caros de producir. Cuando uno saca la técnica fuera de las salas o cuando uno intenta utilizar el espacio público en la producción de espectáculos, también puede haber ahí un costo adicional en lo que es la implementación de ese espacio. Entonces, son varias cosas que tenemos que ir sopezando. Leí un comentario de Patricia sobre la experiencia en espacio mátaco, Narían Muskin de la escuela Noma de donde se incorporaron las butacas en la parte trasera del escenario, no solo como un gesto desde la arquitectura, ni por la pandemia, sino que también como una manera de invertir también algunos conceptos del teatro. Así que vamos a tener que como todo en esta pandemia, quizás empezar a pensar en ser más flexibles, en hacer un trabajo más permeable con el medioambiente, con el exterior, con la sociedad. Quizás es un concepto que empieza a salir en varios de los paneles desde distintas perspectivas, como nos permeamos más desde los espacios. Quisiera agradecer también, además, de nuestros patelistas, John, Josh, Rodrigo, Ricardo y Coté por la traducción, a The Other Communication Group. Gracias a Ken pudimos realmente realizar este panel, a Teresa, a Kevin, que han sido siempre un gran apoyo y a Olga, que es de la Casa de Fundación Teatro Amil, que siempre nos apoya con estas conexiones. Así que muchas gracias a Tisi, G, Josh y John, son miembros también del directorio, me parece que es la traducción. Así que muchas gracias a todos. Espero haya sido, se queden con algunas ideas y, claramente, todavía siguen muchas preguntas técnicas más específicas que tendremos que ir viendo con el tiempo y una construcción de confianza que solo el tiempo la va herdando, pero también la seguridad que sepamos desde las organizaciones, darle a nuestros públicos. Me alargo en estas conclusiones, pero es que me pareció muy inspirador su panel, así que muchas gracias y nos vemos mañana a todos los del sexto encuentro de programadores nacionales platea. Nos vemos mañana en la última sesión de cierre, donde estaremos intentando llegar algunas conclusiones que nos gustaría hacer con ustedes, estar a Carmen Romero, compartiendo alguna de las ideas que han salido durante la semana en las mesas de conversación cruzando redes que ha sido otro de los espacios que hemos tenido en las mañanas. Muchas gracias a todos que nos acompañan y nos vemos mañana a las 11 de la mañana en nuestra última jornada de este sexto encuentro de programadores nacionales platea. Muchas gracias, Ricardo. Muchas gracias, Josh. Chao, John. Que te doy lo digo. Bye.